艺术潮流创造经典产品
艺术风潮的起落有其社会性和人民性，而奢侈品的风格总是与它相呼应的。当维多利亚时代的女子在10-30磅衣服和各种教条里压抑得太久之后，新的美学运动就产生了，前拉斐尔派的画家画了很多穿着松身衣服、悠闲舒适的女子，人们纷纷抛弃了紧身衣，穿上新兴的、昂贵的羊毛内衣裤。在1960年前后的性解放风潮影响下，不起眼的橡胶(资讯,行情)(资讯,行情)也一度成为奢侈品的原料，喜欢强调女性身体的ThierryMugler风行一时。
艺术风潮与大众联系紧密，顺应其作出风格变迁的奢侈品也对社会具有相当的号召力，而且会作为一个时代的标签被载入永恒。20世纪初，“新艺术运动”的潮流让整个欧洲激动不已。这股风潮由“工艺美术运动”衍生出来，融合了日本浮世绘、哥特、巴洛克、洛可可等风格，强调图案的装饰感，而所谓“流动的S型”就是它不可缺少的元素，代表造型是蜿蜒的枝叶，藤蔓和花朵等。在此风潮影响下，卡地亚设计出著名的“花环风格”、“装饰艺术风格”首饰，著名的水果锦囊系列，用鲜花和水果为主题，以红宝石、祖母绿、玛瑙、珊瑚等雕成，造型历久不衰，又有强烈的时代感，成为了奢侈品里的艺术经典。上世纪60年代，YSL从中国清代的凉帽和马褂中获得灵感，设计了“中国风”系列，颇有亲和力。
艺术推广锁定高端阶层
可以想象吗：如果江诗丹顿的TourdelIle被一个脏兮兮的大汉攒在手里，他伸出大拇指说：“江诗丹顿，就是好，就是好，就是好!”这样的广告会令创始人Jean-MarcVacheron死不瞑目。当然，无论什么人都消费奢侈品的权利，但顶极品牌的经营者都很清楚，他们的目标还是那些有钱有品味的顾客，穿着优雅，生活精致，与粗鄙水火不容。要把产品卖给这些人，推广手法一定要充满品位。
历史上，由一场艺术活动为奢侈品风格带来改变的例子屡见不鲜。1909年，首次赴巴黎表演的俄罗斯芭蕾舞团就带来了东方的灵感。舞台服装设计师赖昂?巴克斯特用飘逸的面料、亮片、浓烈的色彩倾倒了巴黎高傲的设计师们。一时东方情调成了主流。后来，斯特拉文斯基的《火鸟》所带来的异国风情再次令巴黎叹为观止，设计师普瓦雷甚至采纳了他的时装风格。
到了现代，品牌推广方式比以前更丰富了，有广告、旗舰店、走秀、展览等。它们共同的特点都是强调艺术、情调、感性，杜绝粗制滥造。在巴黎的秀场，连入席时间都成了一种艺术——没有不迟到的!大家都认为慵懒也是一种奢侈的风度，代表自己是悠闲的时尚贵族，而不是买了衣服又得赶回去洗衣服的师奶。消费者对展览的要求越来越高。以前，查尔斯?蒂梵尼在纽约展出欧仁妮皇后的鲜黄色钻石，目的是赚钱——相传他赚到了几十亿美元，内情无人知晓。如今单纯的展览已很难带来这样的收益，奢侈品作展览主要是为了推广。2004年12月，卡地亚在上海展出世界上第六大钻石“南方之星”，目的是配合上海旗舰店开张的宣传。Prada在上海的裙展被评为年度TOPSHOW之一，展厅被布置成古老的穿堂和客房，设计师用12个特别的角度让裙子展示自己，有半空不断旋转的、在金属架上讲述剪裁变化的、在放大镜下显示失传针法的、甚至还有站起来的——炫耀不对称剪裁与缝法的巧妙，栩栩如生，有如雕塑。在这里，无论是否了解Prada的人都能看得津津有味，艺术赢了，Prada也赢了。
【编辑：张瑜】
