摄影自诞生就没有停止被绘画侵染，但也以其独特的艺术形式本质取代着绘画的部分功能。近年来，越来越多的非摄影艺术家把照相加入到他们的创作中，并因此产生了许多优秀的艺术作品，绘画摄影也在此产生。摄影和绘画同步发展、相互影响，表现出多方面的交融，具有深远的文化和美学价值。

最近，许多摄影与绘画两种艺术形式相结合的作品在网上流传，被千万爱好摄影或者绘画的网友膜拜：比利时插画师、摄影师BenHeine的“铅笔VS照相机”系列作品中，一张庭院的照片中，纸片挡住了茶几和椅子，纸片上的铅笔画图样却绘制了被挡住的真实场景;另一张照片中，站在海边背包客的脸被纸片挡住，纸片上却绘制了另一幅逼真的人脸;一张蓝天白云的照片中，纸片挡住了中间一大块位置，纸片上画了一位插上翅膀的宇航员，正要冲上云霄;美国艺术家JimPeters的一组混合材料作品中，将1：1大小、各种造型的人物油画分别置于室内，结合室内实景进行再拍摄，或反其道行之，先拍摄人体，后将冲洗出的人体照片与绘制的景物放在一起形成作品;中国摄影家陈复礼与中国艺术大师吴冠中合作于1990年的《影子》，则是由吴冠中用水墨装点陈复礼拍摄的一对鸳鸯的照片，寥寥几笔，别有趣味。

近年来，越来越多的非摄影艺术家把照相加入到他们的创作中，并因此产生了许多优秀的艺术作品，不论是艺术语汇的观念还是手段，都变得更加丰富。

绘画摄影因此出现。摄影技术进步以及艺术内涵与外延的扩展成为绘画摄影产生的原因。绘画摄影先驱们的尝试深究起来似乎没有那么伟大，不过是采用各自不同的艺术语言，混淆摄影与绘画之间的界限。而视觉艺术的多种可能就在这些探索中展现出来，两者将继续、长期交融下去，并成为一种文化现象。

不过，有人因此担心绘画的地位被削弱，摄影的独立性受到挑战。然而绘画与摄影的本质艺术特征独立、明显，而且两者也并不排斥对方，是一种互相交流、追逐前行的关系。

一、摄影诞生初期，摄影趣味基本被绘画左右

为了使效果逼真，明暗素描和透视法被以达·芬奇为代表的文艺复兴时期画家广泛采用，暗箱加上小孔投影获得影响的技术已被这一时期的画家掌握。随着工业技术的发展，1839年8月19日，在法国科学院与艺术院联合会议上，巴黎国立天文台台长多米尼克·弗兰西斯·阿拉戈将达盖尔版摄影术的发明公布于世，这标志着摄影术的诞生。

画家们很快接受了照相术。袖珍肖像画家最早被改变，1840年前后，许多肖像画家改行成为摄影师，肖像因由“人画”成为“机画”而变得快速、精确。

不过，传统的绘画审美体系仍在被当时的摄影师们继续使用，这一定程度上影响了独立的摄影趣味的产生。为了迎合顾客，使照片看上去像“名画”那样，他们经常添加植物等，甚至不惜加入仿真的立柱和大面积窗帘。摄影作品《卡洛琳·史特尔兹内》中，摄影师史特尔兹内让女被摄者身着华丽的礼服，手拿书本倚靠在有花篮跟帘幕装饰的台座上，古典油画的表现手法被完全搬进了照片。

到了1850年，画意摄影、集锦摄影风格开始流行，这种以多底合成、拼接为手段的风格正是模仿了同时其绘画的创作路线，摄影师故意制作出模糊的笔触质感，使照片内容具有绘画性，绘画的主题和构图被有意植入照片中，所以这一时期的摄影趣味也在被绘画左右。

二、摄影开始取代绘画的一些功能

摄影本身具有绘画等其他艺术形式不能取代的优点。着名摄影家爱德华·韦斯顿认为，摄影和其他图像艺术的根本不同之处，表现在记录过程的特性和影像的特性上。画家可以用一辈子完成一幅画作，而摄影的记录过程在瞬间完成。影像转瞬即逝，这使得摄影家不能拖延，不能停顿，不能修改，也无法再作考虑，记录在顷刻间完成。甚至比他用脑筋记忆那一刻景物的特征还要快。这一特性，使摄影取代绘画的某些功能成为可能。

照相机发明以前，绘画用来记录人的活动、形象以及景物。北宋着名画家张择端的《清明上河图》便是绘画记录生活场景的杰作之一，这一时期的西方，素描被大量的用于报纸、书籍的配图。

照相机发明后，由于它的瞬间精确记录特点，使其比速写和绘画更能快速记录事实，记录者添加主观意见的可能也更小，证据的功能更强。许多年过去，未曾经历的人们翻开影集，看到照片，理所当然认为他们看到的便是过去发生过的，所以，从记录事实的角度，照片优于绘画。

通过铸造工艺制作的艺术品，比如雕塑，是照相术诞生之前唯一可以被较好复制的艺术品。素描作品可以被复制，还是在中世纪版画发明之后。

照相术诞生后，镜头后的人眼承担了复制艺术品的主要任务，照相使复制图像比以前变得易如反掌。考虑到摄影也相对容易上手，那些平庸艺术家的逼真再现手法收到了严峻挑战。

桑塔格的《论摄影》中谈到：“摄影所从事的就是篡夺画家的任务。”[1](p205)19世纪末20世纪初，随着摄影技术的成熟，照相一定程度上接替了绘画的更多功能：报道摄影、民俗摄影承担起历史画和风俗画的功能，人像摄影比肖像画开始更受欢迎，纪实摄影师开始出现。布列松在这一时期提出了抓取“决定性瞬间”，从现实中提炼出秩序。摄影有了独立的美学法则。三、绘画摄影产生

上世纪七十年代起，绘画的自由挥洒与摄影客观记录的特性被西班牙摄影师奥乌卡·莱蕾和中国摄影家陈复礼几乎在同时结合在一起，形成了独立于绘画和摄影的第三种艺术语言——“绘画摄影”。在这之后，绘画摄影的艺术语言在中外艺术家们各自的实践中得到进一步的丰富，新花样层出不穷。摄影师洪磊对影像施以物理的处理方式，擦、摩、上色，形成诡谲的效果;黄磊将油彩融入照相;摄影师卢彦鹏通过暗房叠印的方式，把素描作品同风景照片相互融合…

这是迟早的事。绘画与摄影早该彼此取长补短了，尺有所长寸有所短，绘画与摄影早该殊途而同归。尤其是在当今，艺术观念、审美观念不断翻新，艺术各学科之间的横向渗透日益成为一种创新的方式成为不争的事实。摄影和绘画在开放、多样的环境中同步发展，两者自觉或不自觉地在相互影响、交叉，表现出多方面的交融。

另外，古往今来，包括了不同艺术间相互碰撞、吸收和借鉴的原因，任何艺术的语言、手段和技巧都是不断变化的术间的。从摄影艺术的发展过程看，它吸收了大量其他艺术尤其是绘画的优点，是摄影具有了更大的包容性。

所以各艺术门类之间的融合是符合艺术规律的。摄影与绘画的融合，体现了艺术家们对美探索的勇气，包含了创作主体的创造力，丰富了摄影和绘画各自的艺术形态，使其更能表达丰富的艺术内涵。

例如，日本摄影师藤井秀树却偏把木板、石头、绢布、或者凹凸不平的纸面当作相纸，先将黑白感光乳剂涂抹在上面，再在这些特殊的相纸上进行与普通相纸一样的暗房制作，得到了不同凡响的艺术效果。不同的材料有不同的质感，木纹、石纹、布纹、纸纹都能与影像和谐地结合在一起，藤井秀树再利用耐久性的彩色染料，以手工将色彩染在黑白的画面上。另外，这些不同材质载体上的感光乳剂是用毛刷涂抹上去的，因此，类似绘画效果的刷痕在画面上无处不在，画面极其自然。

又如，1979年起，陈复礼筹划“影画合璧”的创作，历时11年，合作画家包括吴作人、黄永玉、李可染、刘海粟、李苦禅、程十发、关山月、黄胄、韩美林等人。陈复礼在给每位画家提供“影画合璧”所用照片之前，都要对各位画家的风格进行分析，以便预先选择适合的摄影作品。他拍摄郁郁葱葱的竹林，但缺飞鸟，便请李可染添上一对飞翔之鸟，使作品更具诗韵;他拍摄大沙漠，沙浪起伏，茫茫无边，但缺骆驼，便请吴作人补画骆驼在沙漠上行走;他用云海的照片让韩美林笔下的马腾云驾雾;让黄永玉的仙鹤在松林间穿行…这种行为成为了摄影与绘画相结合的一个极端尝试，它已无法用常规的思路去界定这些作品到底是绘画还是摄影。这些产物也充分展现出一种亦真亦幻、亦实亦虚的第三性特质。因而，震撼心灵的艺术力量和新颖独特的审美感受便被蕴含在了这极具探索性的照片中，审美内容丰富。

那么，艺术间的这种相互融合是否会使他们各自失去自己的特征呢?事实并非如此。摄影自诞生之日，对绘画的色彩、构图等等基本功无不用之，同时也从音乐、雕塑等其他艺术中有所借鉴，然而它既没有被通话，也没有失去自己的独特的本质特征，反而是自己的艺术手段得到不断的扩充。绘画也在摄影的影响下重新探索艺术目标，发展出了摄影所无法替代的魅力。摄影与绘画彼此渗透只会使各自的美学形态结构不断得以丰富。

参考文献：

[1]《论摄影》，(美)苏珊·桑塔格 著，译文出版社出版、发行，2010年5月第一版，2011年10月第5次印刷.

编辑：李洪雷