集爵士、摇滚、舞蹈、波普、文学和视觉艺术为一身，创于1968年的南岸艺术中心被《卫报》称之为“全国最有活力的艺术中心”，海沃德画廊（HaywardGallery）作为伦敦南岸艺术聚集区的重要组成部分之一，与其他一些南岸区中心建筑、皇家国家剧院、英国电影协会比邻。随2007年初南岸中心被重塑定位为南岸区中心，之前的“海沃德”也在2011年初之后更名为海沃德画廊。

伦敦南岸艺术区位于泰晤士河边，是利用废旧港口码头和古老仓库改造的文化旅游区，其历史可以追溯到上世纪50年代的“英国节”。而今这里已坐落着皇家节目音乐厅、伊丽莎白音乐厅、普赛尔音乐厅，承载世界级艺术展览的海沃德画廊，以钢筋混凝土覆盖了从滑铁卢桥至亨格福德桥之间的天际线。这一建筑群有着典型的20世纪60年代野兽派建筑风格——形制巨大、外部装饰简陋的建筑潮流，曾遭查尔斯王子公开炮轰，如今这些建筑已代表现存寥寥的野兽派建筑。

野兽派

海沃德画廊更是世界上唯一一栋野兽派建筑风格的画廊，大量使用了裸露混凝土结构，有人形象称之为“混凝土”，建筑本身看起来与周围其他建筑格格不入，但又以倾斜平面等细节与铁卢桥和庆典广场相互呼应。当然伦敦人对它的态度也两极分化，非爱即恨。海沃德画廊的最初设计理念是由诺曼·安葛尔柏克（NormanEngleback）主导，最终由一群年轻的建筑师，丹尼斯·克朗普顿（DennisCrompton）、沃伦·乔克（WarrenChalk）和拉尔夫·鲁戈夫（RalphRugoff）完成，并于1968年7月9日正式开放。

画廊空间设计为5部分，2间室内展厅，3个户外雕塑庭院（混凝土建筑顶层的大片空间），室内室外空间由几对浇筑的混凝土楼梯连接起来。最初，将雕塑作品陈列在户外的想法被认为是不切实际的，雕塑庭也很少投入使用，常常不对外开放，直到2007年安东尼·葛姆雷（AntonyGormley）的“盲光作品展”（TheBlindLight），才改变了这种现状。通过电梯到达建筑的顶部后，会发现一个光动能雕塑，这便是菲利普·沃恩（PhilipVaughan）和罗杰·丹顿（RogerDainton）设计的著名的霓虹灯塔（TheNeonTower），自1971年展出后便一直保留在这里。

霓虹灯塔约48英尺高，包括57个镀锌钢管装置、108根荧光管，那些黄、红、绿、蓝色的霓虹灯，在风向和风力大小的作用下不断变化着，已然成为伦敦的地标。旅行指南读物《孤独星球》（LonelyPlanet）这样评价：“不论属哪个阵营，你都会同意，海沃德画廊为那些一鸣惊人的展览提供了无与伦比的户外空间。”

无永久收藏

海沃德画廊依据已故的伊萨克·海沃德爵士（曾经的伦敦郡议会主席）命名，由英国艺术收藏委员会（隶属英国艺术委员会）管理。虽然在理论上变成了一个新的国家博物馆，但与接受国家基金支持的其他英国画廊不同，海沃德画廊收取入场费。

同南岸艺术中心一样，画廊半数以上的资金来自英国艺术委员会的补助，其余则靠门票、场租、书店及餐饮收入，这是目前最大的经营困境。在2003年的画廊改造中，丹·格雷厄姆在东区咖啡厅上方建造了一个新咖啡馆小憩，而它在夜间摇身变为酒吧。艺术总监卡若利吉汉表示，他们愿意让餐饮收入逐年增加，即使是来喝一杯咖啡他们都竭诚欢迎。

但这并不妨碍画廊举办举世瞩目的好展览。1968年7月11日至9月8日，海沃德举办了第一个展览，“马蒂斯1869~1954：回顾展”（Matisse1869~1954:Arestrospectiveexhibition），有约114214人前来参观，轰动一时。2009年伦敦弗利兹博览会上，因为金融危机和全球股市的崩盘，买家出手谨慎小心，但得益于海沃德画廊为爱德·拉查斯举办的展览及泰特美术馆的努力，在萧条的境况下，那年的美国客户还比前一年有所增加。

这些其实都与艺术收藏委员会离不开关系。从1968年至1986年，画廊由委员会运营，后来管理权移交南岸区中心。始于1946年的艺术藏品委员会，可以说是世界上最大的关于现当代英国艺术品的借贷收藏委员会，藏品主要为21世纪的一些重要英国艺术家作品，包括超过3000幅油画、手稿和户外雕塑，及超过1700幅的印刷艺术作品和2000张照片。

画廊作为艺术收藏委员会的一部分，因此有了强大的后盾，也是委员会举办的全国巡回展览计划的基础——海沃德画廊游览（HaywardGalleryTouring）每年有约22场展览，分布在大不列颠岛和爱尔兰的120个场馆，每年的人流量约为100万。在海沃德画廊，人们能经常能看到各种雕塑、视频和流动装置作品展，画廊每年还举办3~4次大型艺术展览。已举办过的重量级展览包括达·芬奇、爱德华·蒙克作品展以及法国印象派展览等。

近年来，画廊的策展方向更为关注当代艺术研究，如丹·弗莱文（DanFlavin）、安东尼·格雷姆（AntonyGormley）、罗伊·利希滕斯坦（RoyLichtenstein）等展览。翠西·艾敏（TraceyEmin）“爱是你所要的一切”及大卫·史瑞格里（DavidShirgtey）的“头脑活动”这两场展览非常受欢迎，以至于画廊不得不出售分时段的参观票。画廊唯一的遗憾便是没有永久藏品。

改变的艺术

尽管画廊的展览空间对艺术家和策展人来说都是极大的挑战，然而艺术狂热分子却从未因此望而却步。2012年的展览“无形：1957~2012年看不见的艺术”（Invisible:ArtabouttheUnseen1957~2012），正赶上伦敦奥运会档期，开幕之前已经被标榜为“你从未遇见过的最棒的展览”。展览中所有参展作品都是无形的，观众花8美元进去看展，但可能费尽心思却觉得什么也没看到。而主办方的官方通稿会告诉你，这是在英国首次集结探讨无形、隐藏和未知理念的艺术群展，包括过去半个世纪最为重要的艺术家安迪·沃霍尔、伊夫·克莱因、罗伯特·巴里、克里斯·波顿、小野洋子等，作品共50件。

很多人戏称“皇帝的新衣”又来了，换上新装了，更多的是这样的调侃“我会出席这次展览，但到时我会是隐身的”、“啊，我有一件看不见的毕加索打算要贱卖，如果有人需要请联系我。它就挂在我的客厅，旁边还有一件看不见的梵高。”还有人揣测这是对英国艺术经费削减的一种抗议——没有经费所以只能展这样的无需材料的作品。虽然海沃德画廊馆长拉尔·罗奥夫（RalphRugoff）表示，“这个展览意在强调艺术并不只是一些实物——艺术是点燃想象力的东西，这就是艺术家们在展览中以不同形式展出的东西。”

画廊不只在展览形式方面走在前端。除了艺术收藏委员会藏品的两次集成展“英国艺术1940~1980”、“怎样改善世界：英国艺术60年”，早在2005年，海沃德便开始对亚洲艺术进行探索，举办了“普世经验：艺术、人生、游历之眼”群展，中国艺术家展望参展，展览受到各方关注。

自20世纪90年代以来，中国成为全球艺术圈的“应许之地”，各类群展层出不穷。当代艺术世界的全球性特质，令人们总是努力将艺术家根据地理学进行分类，因此一系列的研究性展览，而今已经有模有样地被各种展览机构所借鉴，成为兼顾国际性和本土性的良方。海沃德举办的，展示过去20年来中国装置艺术和行为艺术的展览“改变的艺术：中国新方向”（ArtofChange:NewDirectionsfromChina），更是可见一斑。

此次展览展示了9位中国艺术家1993年以来创作的40组行为艺术和装置艺术作品，包括陈箴（已故）、汪建伟、梁绍基、段英梅、顾德新、徐震、没顶公司（MadeInCompany）、孙原、彭禹，探讨改造和无常的涵义。策展人斯蒂芬妮·罗森塔尔（StephanieRosenthal）表示：“这个展览就是想让世人看到，在装置艺术和行为艺术方面，中国艺术家们同样走在国际前端”以及“想探索东方式思维是否仍然存在于当代中国艺术中”。

“亚洲视野”板块固然为伦敦本地画廊提供了极好的商业机会，然而这种人工划分也可能隐藏着陷阱。因此展览收到的多数是反对和指责的声音。正如《卫报》所说：“我非常熟悉这些人的作品，他们的确来自中国，但这就好比中国城的餐馆卖宫保鸡丁和咕噜肉，虽然食客知道这是中国菜，但这是消费主义时代一个标准化的产物，无法借此理解当今真正的中国生活。”《金融时报》撰稿人瑞秋·斯宾塞也对这类做法提出了质疑，“它是否会把亚太艺术局限为一种充满异国情调的特色门类？”

馆长拉尔夫·罗奥夫回应：“‘改变的艺术’是海沃德画廊承诺展示世界各地最好艺术的一部分，我们想让画廊成为某种门户，不仅展示优秀英国艺术家的作品，也展示全球各地最有趣的艺术品”。显然大多数画廊、美术馆和艺术家都不想承担所谓“文化大使”的“重负”，正如伦敦德菲纳基金会主席阿伦·希萨尔（AaronCezar）认为的那样，“在海沃德画廊接待宾客时，印度摄影艺术家辛格（DayanitaSingh）不愿意提供印度咖喱角，她也许会提供寿司或者松饼。”不可否认，这种前卫的展览理念是多数画廊所没有的。

编辑：文凌佳