从文艺复兴以来，女性一直被视为艺术品，而不是作为艺术家本身。虽然毕加索和梵高都是家喻户晓的名字，但许多出色的女画家却并没有被世界所闻名。由于历史的压迫和艺术界的性别偏见，很多女画家在她们的一生甚至更久的时间里都没有得到认可。然而，随着社会的发展和思想的解放，大众也渐渐开始思考男性艺术家眼中的女性是否反映了真实的女性形象，那些著名女艺术家的作品开始得到了前所未有的关注。

索菲斯巴·安圭索拉《三姐妹下棋》

与提香（Titian）、达·芬奇（Leonardo di ser Piero da Vinci）同时代的索菲斯巴·安圭索拉(Sofonisba Anguissola)是一位享誉国际的文艺复兴时期肖像画艺术家，她在当时以男性为主导的艺术环境中，作为一名职业女画家在艺术界享誉声望。

索菲斯巴·安圭索拉《三姐妹下棋》

安圭索拉除了受人委托创作肖像画和绘制少量带有宗教寓意的艺术作品之外，她还创作了一些明亮、充满活力的家庭群像，其中《三姐妹下棋》（Portrait of the Artist's Sisters Playing Chess）最为知名。画面左边，安圭索拉的妹妹埃琳娜（Elena）微笑的看着观众，她的手覆盖棋盘，表明她刚刚击败了坐在右边的妹妹。埃尔瓦（Minerva）举起手，张开双唇不可置信地望着埃琳娜，不相信自己竟被打败。最年轻的小女孩欧罗巴（Europa）站在埃琳娜身边，嬉笑的看着这个沮丧的失败者。在当时，国际象棋需要清晰的逻辑和策略，所以被认为是男人的游戏。而在这幅画中，安圭索拉想要表明女性也是可以不需要男人来寻找娱乐的，也可以像男人一样理性，甚至更具智慧。

玛丽·卡萨特《沐浴》

在19世纪末，印象派绘画诞生于巴黎。松散的笔触和开放的构图来探索色彩和光线的展现形式很快风靡了巴黎，其中有一位美国女性——玛丽·卡萨特（Mary Cassatt），是印象派画家中最知名的女艺术家之一。然而在当时，女画家并不得到认可，甚至拒绝女性进入学院学习绘画艺术，可卡萨特就在这样一个男女不平等的背景下，成为了一位杰出的艺术家，为女性艺术家的发展产生了深远的影响。

玛丽·卡萨特《沐浴》

卡萨特一生创作了大量的女性画作，母与子是她最常见也是最喜爱的主题，在她的作品中可以感受到她对孩子温柔浓厚的宠爱和对母性的高度赞赏。令人遗憾的是，卡萨特一生都没有结婚，也许是她自己选择了这条道路，通过她的画作为全天下的妇女发声。在其经典作品《沐浴》（The Child's Bath ）中，卡萨特还原了一位母亲为她年幼的女儿洗澡的场景。统一的灰色和淡紫色在画面中克制的融合在一起，柔和的色彩让观众将视野更集中在母亲与孩子的亲密关系上。当两人都专注于同一件事时，他们就像洗浴中使用的壶与盆、盆与水一样紧密相连。

贝特·莫里索《摇篮》

作为现代艺术的催化剂，印象派以前卫的表现方式闻名，除了绘画技术之外，印象派具有开创性的另一个原因是：将女性艺术家纳入流派当中。尽管还是以男性为主，但也有少数女性能够在巴黎首屈一指的印象派画家中成名，贝特·莫里索（Berthe Morisot）便是其中一位。

贝特·莫里索《摇篮》

在莫里索的整个职业生涯中，她的作品一直以“女性化”著称，柔和的色调和细腻的触感捕捉到含蓄静谧的魅力。莫里索最著名的画作《摇篮》（The Cradle）里，描绘了她的姐姐正在温柔地凝视着女儿的场景。画面中姐姐护着女儿的摇篮车，在观众和女儿之间拉起半透明的纱网，进一步加强了绘画中表达的亲密感和保护的爱。这幅画里可以看到明显的两个三角构图，一是姐姐的身体轮廓，二是摇篮车上垂下来的纱网，创造出平衡稳定的关系，暗示了父母与孩子之间的和谐以及潜意识的联系。

玛丽·洛朗桑《亲吻》

玛丽·洛朗桑（Marie Laurencin），巴黎最优雅的玫瑰。她爱男人，也爱女人，她曾经和一位诗人浪漫的交往过，也曾和丈夫被流放到西班牙，后又作为单身女性和法国公民再次回到巴黎，给那里带来新颖的时尚艺术潮流。

玛丽·洛朗桑《亲吻》

“我为什么要画死鱼、洋葱和啤酒杯呢?” 洛朗桑曾问道，“女孩子漂亮多了”。这句话表显然表明了“美”是她最喜欢的主题，“漂亮”是描述她作品的最佳方式。她创作了大量年轻女孩的肖像，前卫的总会让人联想到现代时尚插画。在她的经典作品《亲吻》（The Kiss）中，画面中的两个女孩有着苍白的肤色和忧郁的眼神，冷淡的色调和模糊的身体轮廓更加凸显了女性的柔美气质，展现“女性美学”，强调了一个独特而迷人的世界。

乔治亚·奥基弗《黑色鸢尾花》

美国最知名也最成功的画家乔治亚·奥基弗（Georgia O'Keeffe），以具有传奇色彩的抽象花卉画闻名于世。她不仅以艺术家的身份吸引着人们的注意，更是着迷于她巨大的个人魅力。对年轻一代来说，她是一个独立、直接、有创造力的女性形象的缩影，她一意孤行，从不愿做出任何可能阻碍她绘画的妥协。

乔治亚·奥基弗《黑色鸢尾花》

奥基弗在她职业生涯的早期就开始探索花卉的主题，她被花朵的复杂形状和颜色所吸引，最后决定用特写的方式来描绘它们，使得每一朵花的细节和形式都很精致。1926年奥基弗创作的《黑色鸢尾花》（Black Iris）展示了她最精美的花卉画作中所具有的感性色彩。这幅画的构图既亲密又令人神往，充满女性气质和摩登的现代感。她将个人幻想联系到这朵花上，赋予它强大的视觉冲击力。隐晦的色情和性感随着花朵轻轻绽放，虽隐秘但却让人羞得不敢直视。

塔玛拉·德·蓝碧嘉《四位裸体》

德国杂志《Die Dame》封面刊登的蓝碧嘉自画像,1929 图片来自 : frankamentemeneinfischio

一位骄傲冷艳的女人，带一抹红唇自信的坐在绿色布加迪车上，轻蔑地看着画前的观众——这是波兰画家塔玛拉·德·蓝碧嘉（Tamara de Lempicka）在她著名的自画像中对自己的描绘。这幅自画像创作于1929年，被用作德国时尚杂志《Die Dame》的封面，作为新女性的解放和思想开放的时代象征。

塔玛拉·德·蓝碧嘉《四位裸女》

作为新女性的代表，也作为一名艺术家，蓝碧嘉经常描绘她的女性恋人和朋友们，她们带着完美的妆容，身穿最新的时装，或者干脆裸露胴体，摆出大胆的姿势，以妖娆的外表成为蓝碧嘉画布上的主角，在画家的凝视下陶醉于性欲。1925年蓝碧嘉创作了《四位裸女》（Group of Four Nudes），四位裸女围坐在一起组成圆形的结构，清晰可见的身体部位和线条，散发着强烈的女性魅力和情色意味。在这幅画中也可以看到蓝碧嘉灵感来源的广泛，既有文艺复兴时期的古典风格，又带着后立体主义的抽象特点，融合装饰艺术风格的视觉效果，将那个时代的丽人们刻画得更为风情万种。

弗里达·卡罗《亨利福特医院》

弗里达·卡罗《毁坏的圆柱》

墨西哥最伟大的画家之一弗里达·卡罗（Frida Kahlo），用痛苦和毅力定义了女性的爱与力量。18岁时，弗里达遭遇严重车祸，导致她全身脊柱、锁骨、肋骨和骨盆骨折，右腿11处折断，最可悲的是，这次事故对弗里达的子宫造成了不可挽回的损伤，她再也无法怀孕，失去了做母亲的权利。这些严重的伤害让她的整个余生都在痛苦中煎熬，备受折磨。弗里达曾这样描述自己艰辛的一生“到头来，我们能承受的远比我们想象的要多的多。”

弗里达·卡罗《亨利福特医院》

1932年，她为她生产的医院画了一幅自画像——《亨利福特医院》（Henry Ford Hospital），这幅颇感血腥的自画像是她描绘她遭受的几次毁灭性的流产之一。画里的弗里达刚经历过流产手术，下体还流着鲜血，她裸露的躺在病床上，六根细脉状的丝带向外流动，附在各个符号上。过世的胎儿、代表流产结束时间的蜗牛、迭戈送给他的鲜花等等，弗里达向观众展示了她对周围一切事物的依恋之情：世俗的、隐喻的、有形的、真实的。也许正是想通过这种联系，艺术家试图表达她渴望成为“母亲”的强烈愿望，即使她永远都不可能拥有自己的孩子。

编辑：江兵