编者按：
版画一直以来，都被定义为一种间接性的造型艺术，通过手工制版印刷而成的一种绘画，具有一定的复数性，也往往讲究一定的精美性。最早的木刻版画也经历了从复制到创作的漫长发展阶段，木版以其独特的版味儿和刀痕在艺术发展史中占有特别的位置。从20世纪30年代开始，在鲁迅先生的提倡和大力支持下，新兴版画如火如荼地开始了，那时的版画创作者由于受到条件所限，只有最简单的工具，以最为直接的黑白效果反映当下的现实，透过“以刻刀为武器”的创作信念，可以强烈感受到创作者最为直接的精神指向。随着时代发展，版画创作观念也随之发生很多改变，艺术风格和表现手法更是呈多样化趋势。但是技法的炫丽、繁复，高科技手段的介入，使得版画越来越丰富的同时，也令观者越来越体会不到创造者最本初的创作情感和思想，那种本应贯穿在创作中的精神性渐渐模糊、淡漠，那种媒介本身所传达出的气息也渐无。这就引发了一系列思考，在当代版画的创作中，创作者的个性和版画语言的生动性是否还重要？版画本身的物质性如何能够彰显？怎样在观看版画作品的时候，真正感受到创作者最初的创作热情和所携带的某种身体在场性？回归纯粹，强调直接性是当代版画最应该走的路吗？
当代版画直接性的N种表情
版画在概念上是一种间接性的艺术，因为不能像油画、国画那样直接在绘画载体上第一时间完成，而是一定要通过各种版来转换，这种漫长的间接过程会磨掉激情，却又能呈现出沉淀过的味道。从事版画创作的艺术家几乎有两种不同倾向，一是将技法研究进行到底，讲究精益求精的制作工艺；一是以版画为表达媒介为我所用，通过版画的特点传达最为直接的思想和情感。
前不久，第四届中国观澜国际版画双年展主题展“单刀直入——版画直接性的研究”在深圳办完又巡回到北京798联合当代艺术空间，而且召集版画界同仁参与讨论有关版画的各项学术问题。从展览名字上，我们可以看出这是一场不以展现将版画技法做炫为贵的展览，而是将版画打回到最初的表达手段和媒介的朴素概念，向大家呈现了很多种对于版画进行直接表达的不同面貌。
作为此次展览联合策展人之一的刘礼宾在《谈版画创作中的直接性》一文中说道：“画版的过程往往是最为直接的。版画家将用于制版的速写或者素描直接实现为原版上的草稿(此时，版画家更是一个画家)。‘草稿’成为此后原版过程还原的模板，或者破坏的对象。无论哪一种，制版过程都会对‘模板’有所改变，只是程度不同。在此后的创作过程中，‘版画家’意识强烈的艺术家往往突出版画语言的特征。”
谭平《＋40m 》 20 x 4000cm 木刻版画、装置 2012年
谭平《＋40m 》局部
他还在文章中列举了三个不一样的以版画为媒进行的直接性表达：比如王华祥80年代后期创作的《贵州人》系列作品便属于此类。肆虐的刀痕、夸张的面部造型成为王华祥张扬艺术家个性的一个重要手段。也有的版画家故意消弱“草稿”的束缚，在画版的时候，尽量减少细节的描述，乃至只是涂抹出朦胧的意象。比如杨宏伟在创作《天一生水》的时候便是如此。杨宏伟在木板上勾画草图，尽量不具体描画，这给刻版过程中的“偶然性”留出了更多的空间，使刻版动作更加自由、直接。通过“偶然性”这个缺口，杨宏伟的认识、性情、直觉，乃至身体的特质进入作品之中。更有甚者，忽略绘制“草稿”的过程，直接进行刻版，比如谭平最近在创作《+40m》时，没有勾画草稿，对画面效果也没有预想，具体刀法更没有设定。正是对创作过程“预先控制”的放弃，对“结果”的不预期使创作充满了因果的自我推演——每一厘米的推进，都成为下一厘米推进的理由。在这个过程中，艺术家类似一个现代舞舞者。他不是用身体去表现一个约定俗成的“舞姿”，而是借助身体的此时状态，激发下一个舞姿的出现。舞者此时不仅是一个表演者，还是一个身体状态的呈现者。
以上几位版画艺术家都有着深厚的功底，可以说他们的作品一度在技法上都受到很高的肯定，但是随着对版画艺术的更高层次的追求，其创作风格和语言都有了很大变化，变得纯粹而直接，也更令观者体会到创作中的过程性所带出的身体参与其中的气场，通过强调版画的物质性特征达到与空间和时代特征相匹配的境界。
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