村上隆

2003年 Cherry Blossomjpg.

村上隆：被“商业”和“时尚”的艺术

伟大的艺术寄予着对未来生活的展望，对过去的反思。所以，我们会把很多事物比喻成艺术，比如葡萄酒、时尚奢侈品等。在我们固有的观念里，艺术是人类的品味与美好事物的代表，放在美术馆里让我们瞻仰，不是“卖”的，而奢侈品就算是再美，也是商品，充满世俗拜金的味道，一度被认为是艺术的敌人。

但是，艺术与时尚的跨界已经完全打破了这种观念，一种前卫的思维方式和审美方式相互融合，时尚与艺术的界限日渐变得模糊。今天，一个人的艺术如果不够“商业”，他都不好意思称自己是艺术工作者，而奢侈品摇身一变，把自己搬到了美术馆和卢浮宫，只供人参观不贩卖。这是所有的时尚人士和艺术人士不停地寻求自我突破的结果，毫不夸张地讲现在很少有不跨界的品牌。

伊夫•圣•洛朗借用荷兰抽象艺术大师皮特•蒙德里安的名作《红黄蓝构图》设计出了举世闻名的蒙德里安裙，这也许是最早将艺术与时尚结合的成功典范。但是，真正引领艺术与时尚这股潮流的实属路易威登（Louis Vuitton）与村上隆的合作，他们合作设计的“三彩”（Monogram Multicolore）系列包甚至引起了全球的抢购潮。他不是唯一一个跟 LV合作的艺术家，但他设计的包是最受欢迎的一款，从此也促成更多艺术家跟时尚圈的合作。

村上隆与LV“跨”越十年

在对村上隆的访问中，他极不喜欢“跨界”这个词，他更认为这是一种改变，改变了我们对艺术、时尚的认知，改变了艺术、时尚的时间空间，改变了经济社会的推广营销方式……

从2003年他们设计第一款樱花包起，到现在已经10年了，这是一段怎样的相遇、相知、相识？

LV中最早关注村上隆的人是设计总监马克•雅可布 (Marc Jacobs)，雅可布本人就极爱“跨界”，2011年出演动画片《南方公园》的肌肉男，2012年又推出了南方公园的时尚玩偶，一经推出便火爆流行起来。当他第一次看到村上隆的作品，第一反应是感觉这些作品很好笑、好玩，但也很疑惑这些作品的灵感来源于哪里？是什么让村上隆的作品融合进迷幻艺术、漫画、古典艺术，并互相碰撞？然后雅可布就觉得我多么希望村上隆可以赋予LV的经典图案一个充满水母的眼睛、唱歌的苔藓、魔力蘑菇、以及各种变形的生物等五彩缤纷的世界。

雅可布马上发给了村上隆一个Email,很快就得到了对方的回复，不久之后，村上隆就出现在了他的办公室里，圆形的黑框眼睛，骷髅头T恤，宽松的短裤，梳着一种武士马尾辫，他看起来就像是一个酷酷的溜冰小子，一个永不会变老的青年人。

正式的合作开始了，村上隆和他的团队首先是完全尊重LV的品牌传承，也都渴望在此基础上创造LV崭新的篇章。整个设计的进度由村上隆来把控，他与雅可布玩起了一个“投球”游戏，通过email互相把自己的想法和图片抛掷给对方，直到双方都满意了才算创作成功。他们第一个沟通一致的想法就是对LV传统标志图案的一个最直观的阐释，这个创意是用棕色背景衬托金色标志的风格再次以新的形式出现——煤黑色或者眼白色的背景上呈现33种撞色。只需稍加修饰，字母交织图案很快就会有自己的身份——甚至连LV都会与苔藓和嫩枝交织起来。

雅各布对这次合作给予了很高的评价，他说“村上隆与LV的‘跨界’不仅生产了商品化的大量产品，也在艺术界产生了很重要的影响，并给以后的艺术与时尚合作带来了大量的启示。这已经并将继续成为艺术和商业联姻的一个里程碑，最终要‘跨越’的是时尚史和艺术史。”

2003年Cherry Blossom：村上隆为LV设计的第一款樱花包系列。

2005年Monogram Cerise ：樱桃包是村上隆早期和LV合作的限量款，广受亚洲女性的欢迎。

2007年MonogramMulticolor : 这是我们常见的系列，也叫“三彩”系列。

2007年Annie : 大号手提袋为您的装扮增添明快的色彩，宽敞的容量配以时尚而富有女人味的蝴蝶结，柔软的褶皱和华丽的金色黄铜配饰，耀眼而不失优雅。

2009年Panda Plush 受到超多人的追捧。

2010年Cosmic Blossom : Marc Jacobs再度邀请村上隆亲密合作，以七彩绚烂的太阳花为主题推出一系列可爱的包袋及配饰。

玛格丽特（3D）海蜇眼海蜇眼 白4 （3件） 胶印 石版画（各）.

张开你的双臂拥抱幸福 .

村上隆：做艺术就是为了赚钱

1990年代，中国当代艺术走向世界，2000年代，国际品牌走入中国，这是当代艺术发展历程背后的全球社会、文化发展的趋势。奢侈品牌逐渐意识到艺术能够为商业带来利益，时尚与艺术的合作越来越多，表现形式越来越多样。

很多艺术评论家喜欢使用“日本的安迪•沃霍尔”来形容村上隆，这除了肯定他们作品中的波普艺术风格之外，还有一层就是他们作品的多样性、复杂性，实际上最重要的是他们都赤裸裸地肯定“做艺术就是为了赚钱”。

作为波普艺术的鼻祖，安迪•沃霍尔也曾以一句“赚钱是艺术，工作是艺术，成功的商业是最好的艺术”，来为艺术与商业的亲缘关系首下定论。曾几何时艺术必须很纯粹，不能沾染任何商业气息，但村上隆的独特之处就在于他敢于谈钱，甚至赤裸裸地表态：“做艺术就是为了赚钱”。

安迪•沃霍尔和村上隆与其它“商业”艺术家不同的是，他们把“艺术商业化、时尚化”作为一个问题放在自己的作品中，然后去证明这个“问题”存在的合理性。他们是诚实的，从来不认为艺术是高雅的、神圣的、高高在上的，他们在艺术中要表达 “艺术就是为了赚钱”这个命题。相似的是，他们也都融入进自己本土的流行艺术标示，积极推动艺术消费文化，及从视觉取得注意力，展示出高度的原创作品，热衷于积极，有效力的自我宣传。2010年村上隆在法国卢浮宫的“个展”，遭到了部分法国人的抵制，抗议的理由是“流行艺术怎么可以进入经典艺术展览地——卢浮宫”。但这正是村上隆想要的“结果”，他渴望一部分的人来批判他，这种批判的声音往往让更多的人知道了“村上隆是谁”，这是他的一个自我宣传点。

村上隆于1962年在东京出生，从东京国立大学获得美术和音乐的MFA和博士学位，深受日本艺术史的教育。1996年他于东京创立了Hiropon工厂，后来演变成KaiKai Kiki有限公司，是大型艺术生产和艺术管理公司，他们除了生产版画、雕塑、装置等各种艺术表现形式的作品之外，也参与拍摄电影、举办艺术博览会、与各大商业品牌公关合作等。2013年村上隆执导的首部真人加CG电影《MEMEME的水母》即将正式在日本上映。

村上的才华除了商业上巨大的成功之外，也已经在世界各地知名美术馆和博物馆中广泛地展示，并举行了多个个人作品展，如巴黎卡地亚基金会当代艺术POUR L'、伦敦蛇形画廊，（2002年）、东京当代艺术博物馆，（ 2001年）、波士顿美术馆，（2001年）、洛杉矶民政部，（2007年）、纽约布鲁克林博物馆，（2008年）、古根海姆博物馆，（ 2009年）、法国卢浮宫（2010）等。

2011年，他把自己在艺术商业上的成功经验撰写成《艺术创业论》，以过来人的姿态详论自己在纽约艺术圈成功的过程，首度公开其艺术经营的哲学,轻松游走于艺术与商业之间，颠覆你对艺术的刻板印象。但殊不知，村上隆艺术生涯的初期就已经给他所生活的这个世界下了定论：对全球消费主义的失望，对“高雅”和“通俗”艺术之间界限的日益模糊。所以，村上隆“成名”之前和“成名”之后都是在做同一件事——表达个人对世界的看法，不过，“成名”后的表达是被商业的一部分。

对观众而言，我们的第一反应是可以引起共鸣的艺术，无论是经典艺术，抑或这种“被商业”的艺术！

记者×村上隆访谈

Q：在工作室，你和艺术家们是怎样的关系呢？除了关于在你工作上的合作外，他们自己是否也有创作？你从他们那获得多少灵感？而他们从你所从事的工作中又获得了多少指导？

A：我们的关系是一种相互启迪吧。在我的工作室，工作中我们相互帮助。视情况，我给出一些反馈建议。具体来说，Kaikai Kiki代表除我之外的六个参展艺术家。其中三人也是该公司的正式员工，有着相关管理岗位，但同时，他们都非常积极参与到自己的艺术工作中。

Q：作为一个已经成名的艺术家，你为什么要推广众多的日本年轻艺术家？你教授给他们的最重要的东西是什么？

A：我喜欢同青年艺术家一同工作，就像是一种赌博效应，乐此不彼。只有有了才华，如果也有人给予指导，他们就会很幸运，中得大奖。我想说的是我对年轻艺术家最大的关心是，他们缺乏怎么去利用艺术机构的诀窍，怎么去规避艺术世界无情冷酷的一面的策略。对艺术家们来说，知晓艺术市场和艺术系统的事实，再用自己清晰的思维和自信的态度追求商业是很重要的。

Q：你已经与路易威登等品牌跨界合作，跨越艺术和商业的产品线，你认为把艺术融合于品牌推广与营销中，有危险吗？

A：我不认为这是跨越，我认为这是一种改变。最近几年我在日本谈论最多是尽量不要给一种线路下定义。因为日本文化和战后经济形势的原因，日本人可以接受艺术和商业的联姻，事实上，他们对于西方所谓的“高雅艺术”更为惊讶，认为这有点过于自命不凡。在西方，可以肯定的是，他们认为艺术和商业的结合一定是危险的，人们会向我扔出石头，不过没有关系，我已经准备好了我的安全帽。

Q：是什么促使您在东京举办GEISAI艺术博览会？它会在日本博览会日程中占据什么市场？

A：我想在日常生活中提高日本人的艺术意识。我希望通过把艺术做成一个有趣的事件，使每个人，无论资金状况，都可以享受艺术。同时，我也喜欢它变成是一种开放式的参与。这使得它比那些真正独特并且面向高端消费者的西方艺术博览会更加有平等的感觉。 GEISAI已经取得了巨大的成功。每次，10000人来到现场，并且我们在国际刊物上正在得到越来越多的版面。

编辑：陈荷梅