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MoMA一场大展 如何探讨现当代艺术130年激进彻底的艺术革新?
2018-08-01 10:53:16 来源:99艺术网 

在筹备了两年多之后,2018年最备受瞩目的展览之一《MoMA在NGV:现当代艺术130年》近日正在南半球的文艺之都墨尔本展出。这个由NGV与MoMA联合举办的国际交流特展,由MoMA(纽约现代艺术博物馆)主办,NGV(墨尔本维多利亚州国立美术馆)协办。

展览现场
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其中在MoMA馆藏中,艺术史上那些你耳熟能详的名字一个都不会缺席,它们全都来自19世纪和20世纪最杰出的艺术大师,包括文森特·梵高、亨利·马蒂斯、巴勃罗·毕加索、马塞尔·杜尚、萨尔瓦多·达利、乔治亚·欧姬芙、路易丝·布尔乔亚、杰克逊·波洛克、马克·罗斯科、安迪·沃霍尔等。而展览的当代艺术部分则包括了杰夫·昆斯、辛迪·谢尔曼、奥拉维尔·埃利亚松等人的作品。

展览现场
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同时《MoMA在NGV》将一百三十多年以来的艺术革新脉络梳理一遍。探讨了艺术史上重要艺术运动的起源和发展,展现了130多年来激进彻底的艺术革新。展览还反映了同期社会变革的历程中,技术、社会、政治等领域的发展变化,从19世纪晚期的城市化工业化转型,到如今的电子化、全球化。

展览现场
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展览将分为8个主题进行展示,按照时间顺序分别为“世外桃源与大都市”、“现代世界的机器”、“新融合”、“内部与外部的世界”、“作为行动的艺术”、“就是这样”、“浩瀚的百科全书”、“飞翔的图案”。

下面我们来看看不同主题的几件代表性作品,是否一场展览真能带我们走过现当代艺术的130年?

世外桃源与大都市
Arcadia and Metropolis

“世外桃源与大都市”作为展览的开场部分,展现了20世纪初艺术家是如何用不同方式呈现城市化、工业化和技术变革所带来的变化。一种“新艺术”席卷了欧洲和北美,影响了绘画、雕塑、摄影和电影等各个领域。这一部分将展出保罗·塞尚、保罗·高更、文亨利·马蒂斯、森特·梵高、乔治-皮埃尔·修拉等人的作品——这是来自MoMA自1929年成立以后最早收藏的一批作品。在这期间,一些对现代艺术有着重要影响的运动开始出现:以巴黎为中心的印象派以及最初从德国开始的表现主义。

文森特·梵高(荷兰,1853-90),《约瑟夫·鲁林肖像》1889
文森特·梵高(荷兰,1853-90),《约瑟夫·鲁林肖像》1889

这幅肖像画是凡高的六个朋友的肖像画之一,鲁林是阿尔勒的邮递员。法国南部的阿尔勒离巴黎15个小时的火车程,梵高在1888年到阿尔勒,希望找到志同道合的朋友,但希望落空了,他在那儿孤独地生活和作画。鲁林一家给他带来温暖和友情,他们也是他很多作品的题材。

在油画《约瑟夫·鲁林肖像》中,鲁林身着他引以为傲的邮递员制服,背景是想象的漩涡花纹。凡高在给弟弟提奥的信中说:“我要用象征性的光环这种永恒的东西来画男人和女人,要用我们着色的响亮和颤动来表达永恒。”

保罗·塞尚(法国,1839-1906)《有苹果的静物画》1895-98
保罗·塞尚(法国,1839-1906)《有苹果的静物画》1895-98

《有苹果的静物》证明了静物画可以真实地再现实体和表现光线与空间的表象。塞尚说:“描绘自然不是复制对象,它实现了人的感觉。”他坚持关注颜色和质地的特性,不以幻觉为目的。

例如,盘子里水果的边线是不确定的,仿佛在移动。画面中透视的规则也打破了,桌子的右角向一边倾斜,与左边不在一条线上。画面的有些部分没有着色,桌布的折皱像没有画完。《有苹果的静物》不是对实物的模仿,而是对观察角度和绘画本质的探索。

马蒂斯《水边的日本女人》,布面油画,1905年,纽约当代艺术美术馆
马蒂斯《水边的日本女人》,布面油画,1905年,纽约当代艺术美术馆

亨利·德·图卢兹·罗特列克(法国,1864-1901)《红磨坊的康康舞娘》,1891-92
亨利·德·图卢兹·罗特列克(法国,1864-1901)《红磨坊的康康舞娘》,1891-92

现代世界的机器
The Machinery of the Modern World

“现代世界的机器”单元中,随着工业机械化的进展、科学领域的新发现、飞机及汽车等新型机器的诞生,艺术家们从中寻找灵感。同时,原来神圣正统的“艺术”被马塞尔·杜尚的现成品打破。本单元会探讨这一时期艺术的各个方面,展现前卫的立体主义和未来主义,以及隐藏在艺术流派变革后的工业线索。

巴勃罗·毕加索(西班牙,1881-1973) 《建筑师桌子》1912
巴勃罗·毕加索(西班牙,1881-1973) 《建筑师桌子》1912

《建筑师的桌子》作于1912年,是毕加索立体主义的代表性杰作。与此同时,1912年,立体主义运动进入第二阶段,通常称为综合立体主义。此时在画中色彩起了有力的作用,但形体仍然支离破碎,只是更大和更富于装饰性。画家们新创出一种以实物来拼贴画面图形的艺术手法和语言,进一步加强了画面的肌理变化,并向人们提出了自然与绘画何者是现实,何者是幻觉的问题。

翁贝托·波丘尼(意大利,1882 - 1916) 《空间中连续性的唯一形体》1913
翁贝托·波丘尼(意大利,1882 - 1916) 《空间中连续性的唯一形体》1913

这件雕塑是波丘尼最具雕塑传统、同时又和他的绘画之间最有特定关系的作品之一。作品塑造了一个没有头和手的人形,展示出了人物步行时的连续性。这个昂首阔步的人物,以用青铜雕成的飘然曲面组成,仿佛人体在疾速的前行中向后飘动。曲面的体积没有被实际的人体限制,基本上象是在二度的平面里运动,似乎把绘画的人物转化成了浮雕。波丘尼在创作中采取了动态分析摄影的形式特点,这个形象其实正是站在一定的距离上看到的人的形体的直观感觉,在感性的审美观中是一个十分完整的,有头有手的,正在连续行进中的人的形体。

马塞尔·杜尚(美籍法裔,1887-1968),《自行车轮》1951(初版于1913年完成)
马塞尔·杜尚(美籍法裔,1887-1968),《自行车轮》1951(初版于1913年完成)

新融合
A New Unity

展览的第三部分“新融合”探索将艺术、建筑和设计融合在一起并指向未来的各个流派:俄罗斯先锋派、荷兰风格派、包豪斯和华金·托雷斯·加西亚带来的南方学院派。1910年代至1930年代,这些运动在世界各地强调了现代艺术在日常生活中的变革作用。讲述了世界范围内不同艺术流派之间相互借鉴、积极创新的过程。艺术家们更多地关注于基本要素,减少了多余的修饰,从而更广泛的表达抽象的概念。而其中跨媒介的形式——绘画、雕塑、平面设计、家具、纺织、剧场设计和广告海报——仍在启发着当今的艺术家和设计师。

蒙德里安(荷兰,1872-1944) 《组成之红、蓝、黄》,约1937-42
蒙德里安(荷兰,1872-1944) 《组成之红、蓝、黄》,约1937-42

蒙德里安及其荷兰"风格派",作为一种艺术运动,并不局限于绘画。它对当时的建筑、家具、装饰艺术以及印刷业都有一定的影响。蒙德里安后期,他已完全不画眼睛看见的实物,而把绘画语言限制在最基本的因素:直线、直角、三原色(红、黄、蓝)和三非原色(白、灰、黑)上,称这种画为新造型主义。

柳博芙·波波娃(俄罗斯,1889-1924)《绘画建筑学》, 1917
柳博芙·波波娃(俄罗斯,1889-1924)《绘画建筑学》, 1917

柳博芙·波波娃是俄罗斯先锋艺术家(立体主义者、至上主义者、构成主义者),画家和设计家。她同样也是苏联男性至上的艺术界少数的几位女性艺术家之一。她的作品体现着不甘于男权压迫的新时代女性观念。

内部与外部的世界
Inner and Outer Worlds

在19世纪末和20世纪初,随着精神分析和神经心理学领域的发展,展览也到了“内部与外部的世界”单元。一批超现实主义艺术家会在这里出现,比如萨尔瓦多·达利、雷内·马格利特、胡安·米罗、弗里达·卡罗的作品。艺术家们冲破了正式和理性的束缚,开始同时关注于事物的内外形势。由于第二次世界大战的影响,许多艺术家被迫走出欧洲,其作品们也融合了多种文化的影响。

弗里达·卡罗(墨西哥,1907-54)《头发散落在地的自画像》,1940
弗里达·卡罗(墨西哥,1907-54)《头发散落在地的自画像》,1940

有人说,弗里达·卡罗是墨西哥最伟大的现代女画家,甚至是墨西哥最伟大的艺术家。这幅《头发散落在地的自画像》,是在与丈夫里维拉离婚后不久创作的。弗里达脱下了曾经带给丈夫愉悦的特纳旺服装,穿着不合身的黑色外套,手拿着剪刀,左手是一缕剪落的青丝,同样漫不经心却又咄咄逼人的目光让整个画面充斥着一种愤怒情绪,散落一地的头发丝就像无处不在的绝望。

萨尔瓦多·达利(西班牙,1904-89)《永恒的记忆》,1931
萨尔瓦多·达利(西班牙,1904-89)《永恒的记忆》,1931

达利在创作这幅画时也受到了弗洛伊德“潜意识”学说的影响。《记忆的永恒》以袖珍面的技法,描绘了一个死寂般宁静的旷野。平静如镜的海、一马平川的沙滩、荒凉的海岸,以及一个不可能在这个环境中出现的方形台座、一块板、一棵树。面面突出表现了像软饼似的三块钟表和一块没有变形的红色钟表,上面爬满了黑色蚂蚁,方台上一块软表上还歇着一只苍蝇。

作为行动的艺术
Art as Action

“作为行动的艺术”将突出艺术家创作时的行动——在绘画、拼贴、纺织和雕塑形式中运用滴墨和喷溅、线条和曲线,以及剪切和粘贴的方法。

如果在过去的几十年里超现实主义代表了一种内省的艺术,那么20世纪50年代就是一个行动时代。“作为行动的艺术 Art as Action”关注抽象表现主义以及动态艺术的理念和作品。正值二战刚刚结束,美国开始成为艺术的中心。他们需要新的艺术理念,新的艺术态度,从艺术形式的根本上向传统发出挑战。艺术的边界再一次拓宽。

马克·罗斯科,(美国,1903—1970)《No. 3/No. 13》1949
马克·罗斯科,(美国,1903—1970)《No. 3/No. 13》1949

马克·罗斯科是美国抽象派的代表画家之一,他最初的艺术是现实主义的,后尝试过表现主义、超现实主义的方法。以后,他逐渐抛弃具体的形式,于40年代末形成了自己完全抽象的色域绘画风格。马克·罗斯科的艺术注重精神内涵的表达。他力图通过有限的色彩和极少的形状来反映深刻的象征意义。

亚历山大·考尔德(美国,1898-1976)《雪舞,I》,1948
亚历山大·考尔德(美国,1898-1976)《雪舞,I》,1948

亚历山大·考尔德是美国雕塑家、艺术家和动态雕塑的发明者。他以创作风格独特的“活动雕塑”和“静态雕塑”驰名于世。考尔德制作的动态雕塑,或是放在室外,或是悬在金属线上,通过空气的流动或者观赏者的摆弄,每动一下都会展现出不同的形态,让观者感觉到空气在流动,空间在转换。

杰克逊·波洛克(美国,1912-56) 《编号7》,1950
杰克逊·波洛克(美国,1912-56) 《编号7》,1950

就是这样
Things as They Are

“就是这样 Things as They Are”是展览最主要的组成部分,聚集了20世纪60年代-70年代的艺术作品,从波普艺术到极简主义、后极简主义。艺术家们极大的吸收了当代流行文化,伴随着媒体和娱乐的迅猛发展,艺术开始与生活密不可分。

罗伊·利希滕斯坦(美国,1923-97)《溺水的女孩》,1963
罗伊·利希滕斯坦(美国,1923-97)《溺水的女孩》,1963

罗伊·利希滕斯坦作为波普艺术的代表艺术家,李奇登斯坦最著名的就是他的漫画和广告风格结合的绘画,借用当时大众文化与媒体的意象,李奇登斯坦用标志性色调和标志性大圆点(Benday dots)的手法来表现“美国人的生活哲学”,李奇登斯坦曾经说:我试着利用一个俗滥的主题,再重新组织它的形式,使它变得不朽。

安迪·沃霍尔(美国,1928-87) 《玛丽莲·梦露》,1967
安迪·沃霍尔(美国,1928-87) 《玛丽莲·梦露》,1967

安迪·沃霍尔被誉为20世纪艺术界最有名的人物之一,是波普艺术的倡导者和领袖,也是对波普艺术影响最大的艺术家。安迪·沃霍尔透过丝网印刷手法和不断重复影像,将人物化成视觉商品,其中《玛丽莲·梦露》就是他的代表作品之一。

浩瀚的百科全书
Immense Encyclopedia

到了20世纪80年代-90年代,大众的物质消费时代进入繁荣期,每个人的个体意识也逐渐增强,挪用艺术和对身份问题的叩问成了艺术界的新话题。“浩瀚的百科全书 Immense Encyclopedia”这一部分把现代艺术史和我们的距离拉得更近。

辛迪·谢尔曼(美国,1954-)《无名131》,1983
辛迪·谢尔曼(美国,1954-)《无名131》,1983

辛迪·谢尔曼是美国著名的现代艺术家和摄影艺术家。《无名131》属于辛迪·谢尔曼创作的第一个重要系列《无题电影剧照》。作品套用了20世纪50年代的电影黑白效果,塑造了一系列感人的女性形象。

杰夫·昆斯(美国,1955-) 《新型谢尔顿湿/干双层车》,1981
杰夫·昆斯(美国,1955-) 《新型谢尔顿湿/干双层车》,1981

杰夫·昆斯是美国当代著名的波普艺术家。他毫不犹豫地汲取了艺术史上的一切养分,达达主义、杜尚手法、极少主义以及早期波普艺术都成为他参考与借鉴的源泉。他高举与大众交流的大旗,勇于向"高雅"文化叫板,向传统美学的等级理念挑战。

“浩瀚的百科全书 “单元中,大众文化的影响进一步深入,传统的“艺术”一次次被重新定义。音乐、广告、平面设计、广播和电脑技术领域的变化标志着“后现代”的到来。艾滋病、种族和性别歧视等社会议题激起了艺术家的反映,而即将到来的世纪末则引起了更多的反思。

飞翔的图案
Flight Patterns

到了最后一个单元“飞翔的图案”,也就来到了全球化的当下。在过去的二十年里,MoMA收藏了大量的当代艺术作品,更加关注来自非洲、南美和亚洲探索当地文化身份的艺术创作。另一方面,人们进入了信息爆炸的时代。这时代所体现的无穷的多样性、可能性和流动性是许多当代艺术家、建筑师和设计师所关注的主题。

“飞翔的图案 Flight Patterns”这一单元汇集了当下最热的艺术运动、移民话题、全球化话题等作品,艺术走到当下,在以滚烫的温度介入社会的方方面面。

栗田穣崇(日本,1972-)《Emoji》, 1998–99
栗田穣崇(日本,1972-)《Emoji》, 1998–99

Emoji 几乎以无可争议的事实彻底征服了这个星球,席卷了所有不同文化人群。而栗田穣崇就是Emoji的创造者。他创造了176个12px*12px 的象形字符,覆盖人类所有表情,这也就是当下Emoji的“祖先”。

艾尔·安纳祖(非洲加纳,1944-) 《流血的塔卡里II》,2007
艾尔·安纳祖(非洲加纳,1944-) 《流血的塔卡里II》,2007

艾尔·安纳祖出生于加纳,是目前在世且依旧有从事艺术创作中最重要的一位非洲艺术家。他被认为是变废为宝的艺术大师,非洲艺术家的典范和骄傲。他的作品都是巨大幅的创作,其中使用了大量切割加工后的金属废弃物品,有很强的视觉冲击力。又有因垂挂而呈现的褶曲,更加表现艺术家细腻的一面。他的作品经常挂在墙上展示,闪闪发光,幻惑着观者的视听感官。


关于展览

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《MoMA在NGV:现当代艺术130年》

2018年6月9日-10月7日

澳大利亚墨尔本维多利亚州国立美术馆

图片感谢MoMA

编辑:江兵

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