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2018年度全球最佳公共艺术地图
2018-12-25 10:53:02 来源:Artsy官方 作者:Scott Indrisek

今年,艺术与设计工作室兼工坊 UAP(Urban Art Projects)的年终榜单新鲜出炉,细数过去一年里全球各地最引人入胜的公共艺术作品(UAP 本身也是不少出色作品的执行者,作品集不乏艾未未的公共雕塑“好篱笆促成好街坊”以及扎哈·哈迪德在北京设计的酒店)。在多位国际策展人的提名下,UAP 精选出了2018年独具创想的12件作品,众位提名者给出独家点评,借此机会与大家一同分享。

里克力·提拉瓦尼

《无题 2018 小的无限维度》

新加坡

里克力·提拉瓦尼,《无题 2018 小的无限维度》(Untitled 2018 The Infinite Dimensions of Smallness),2018,新加坡。图片致谢新加坡国家美术馆

里克力·提拉瓦尼,《无题 2018 小的无限维度》(Untitled 2018 The Infinite Dimensions of Smallness),2018,新加坡。图片致谢新加坡国家美术馆
里克力·提拉瓦尼,《无题 2018 小的无限维度》(Untitled 2018 The Infinite Dimensions of Smallness),2018,新加坡。图片致谢新加坡国家美术馆

“这件特定场域装置由新加坡国家美术馆委任创作,搭建于黄廷芳屋顶花园。作品既表达出新加坡的区域特性,也指示着它的国际枢纽地位。” 悉尼当代艺术机构 Artspace 的执行总监阿列克谢·格拉斯-坎特(Alexie Glass-Kantor)介绍道。“泰裔阿根廷艺术家里克力·提拉瓦尼(Rirkrit Tiravanija)的创作位于新加坡中心区域,成为都市天际线的一道景观。装置中心藏着一个日式茶馆,可供私密仪式之用;大尺幅竹结构围绕茶馆层层铺开,像一个通风透气的迷宫将茶馆与周遭环境阻隔开来。提拉瓦尼将区域性的建筑、仪式和传统元素融入了装置,打造出一个既私密又开放的空间,巧妙地彰显了今日艺术实践的复杂性——趋向国际化、承载有政治议题。艺术家定义中的‘小的无限维度’富有诗意、引人深思,装置将观众带入神秘的交错世界,在这里尽可以优雅地逃离庸常。”

克拉姆·莫顿

《纪念碑32号 混乱小筑》

悉尼

克拉姆·莫顿,《纪念碑32号 混乱小筑》(Monument #32 Helter Shelter),2018,悉尼。摄影:Daniel Bound

克拉姆·莫顿,《纪念碑32号 混乱小筑》(Monument #32 Helter Shelter),2018,悉尼。摄影:Daniel Bound
克拉姆·莫顿,《纪念碑32号 混乱小筑》(Monument #32 Helter Shelter),2018,悉尼。摄影:Daniel Bound

“俗(咒)语(语)‘may you live in interesting times’ 简直是对这件雕塑的完美总结。悉尼当代艺术展委任克拉姆·莫顿(Callum Morton)打造了这件雕塑,将其设置于巴朗加鲁地块。话题性极强的作品探讨着政治话题,影射弥漫在特朗普时代中的社会、文化与政治悲剧,凸显这位美国总统催生的连锁问题。雕塑从地面冒出,精准再现了特朗普的标志性橘色调面容;装置科学怪人般的造型嫁接了临时建筑和主题公园设计,引得路人纷纷驻足。莫顿是个玩儿黑色幽默的好手,作品既逼真又疯癫——从正面看,是一幅技术高超的立体肖像;而转到背面,竟是一个中空的腔体,可供临时休憩之用——其中的景象恐怕要加深人们关于当前动荡局势的不安感觉。永远没人能猜准美国总统脑袋里打着什么主意。”

徐道获

《桥屋》

伦敦

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徐道获,《桥屋》(Bridging Home),2018,伦敦。作品由“城市雕塑展”与“艺术之夜”联合委任,并由 Fatoş Üstek 担纲策展。图片致谢艺术家、Victoria Miro 画廊以及 Gautier Deblonde

“艺术家徐道获(Do Ho Suh)出生于韩国,他的这座《桥屋》(Bridging Home)深刻又睿智。”策展人艾丽森库伯勒(Alison Kubler)赞叹道。“装置恰如其分地表现出了公共与私人空间之间的张力——其本身正是两种空间的综合:伦敦市中心的人行天桥上出现了一座传统韩屋样式私宅。《桥屋》由“城市雕塑展”(Sculpture in the City)与“艺术之夜”(Art Night)委任创作,这两个展会每年在城市各处呈现特定场域作品。醒目的建筑装置跟周围环境格格不入,传达着移民对‘家’的微妙定义。在全球难民危机这一大背景下,这件作品出现得很及时。”

欧文·沃姆

《热狗车》

纽约市

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欧文·沃姆,《热狗车》,2018,纽约市。摄影:Jason Wyche。图片致谢艺术家、香港 K11 艺术基金会、柏林国王画廊、立木画廊(纽约、香港)以及公共艺术基金会

“纽约公共艺术基金(New York Public Art Fund)委任欧文·沃姆(Erwin Wurm)打造的《热狗车》无疑是今年最出彩的作品之一。” 库伯勒赞叹道。“作品尖刻地讽刺着暴食和贪婪,却也传递出无尽的欢乐。《热狗车》一看就知道出自沃姆之手,我很喜欢它的概念——让观众心甘情愿接受暴食导致的愧疚感。与此同时,《热狗车》深度民主化,它传达着严肃主题,也邀请观众来互动,‘享受’当下一刻。它完美指出了公共艺术的责任与发展方向:包容参与。”

多萝西·伊安诺

《我站在金门口,高举起自由的灯火》

纽约

多萝西·伊安诺,《我站在金门口,高举起自由的灯火》(I Lift My Lamp Beside the Golden Door),2018,纽约。图片致谢 Tim Schenck 以及 Friends of the High Line
多萝西·伊安诺,《我站在金门口,高举起自由的灯火》(I Lift My Lamp Beside the Golden Door),2018,纽约。图片致谢 Tim Schenck 以及 Friends of the High Line

“我真心喜爱美国艺术家多萝西·伊安诺(Dorothy Iannone)的作品,她定居柏林,鲜少在纽约参展。”纽约 The Shed 艺术中心资深策展人艾玛·恩德比(Emma Enderby)说道。“即便她的作品曾在纽约展出,也从没有过公共艺术,在我看来真是太奇怪了——正如法国艺术家罗伯特·菲利乌(Robert Fillou)所说——‘她的目标与解放人类无异’。因此,此次高线公园委任伊安诺创作壁画的行动让人分外激动。这件作品新鲜、大胆、直指现实。三座自由女神像并排出现,留白处题写着艾玛·拉扎勒斯(Emma Lazarus)的诗句,出自1883年之作《新巨人》(The New Colossus)的末句:我站在金门口,高举起自由的灯火。这首自由女神像的赞美诗让人不禁回想美国的历史——她曾向需要新家的人们敞开怀抱,也提醒我们反思如今对待移民的态度。”

多位艺术家 利物浦双年

阿巴斯·阿卡万,《幽灵变奏曲》(Variations on Ghost),2017/2018,利物浦双年展。摄影:Rob Battersby
阿巴斯·阿卡万,《幽灵变奏曲》(Variations on Ghost),2017/2018,利物浦双年展。摄影:Rob Battersby

 阿涅斯·瓦尔达装置现场,《3个动态图像:3个节奏、3个声音》(3 moving images: 3 rhythms, 3 sounds),2018,利物浦双年展。摄影:Thierry Bal;
 阿涅斯·瓦尔达装置现场,《3个动态图像:3个节奏、3个声音》(3 moving images: 3 rhythms, 3 sounds),2018,利物浦双年展。摄影:Thierry Bal;

穆罕默德·布洛伊萨,《弹性花园》(Resilience Garden),2018,利物浦双年展。摄影:Pete Carr
穆罕默德·布洛伊萨,《弹性花园》(Resilience Garden),2018,利物浦双年展。摄影:Pete Carr

“第十届利物浦双年展是至今为止最棒的一届,” 恩德赞叹道。“双年展贯穿整座城市,其中所有的艺术品都向市民免费开放,因此我得提名整个展会而非一件作品。我们可以把双年展整体看作一件公共艺术作品,它是人们触及艺术的重要渠道,还不用门票钱。此届利物浦双年展邀来22个国家的逾40位艺术家(其中还有不少参展人来自政治动荡地区),将他们的作品散布于城市的多处公共空间。双年展反思着当代危机,同时也展望着一个更美好的世界。让我个人印象深刻的作品包括:阿巴斯·阿卡万(Abbas Akhavan)打造的巨型泥土雕塑,其轮廓影射着被 ISIS 摧毁的古代雕塑;阿涅斯·瓦尔达(Agnès Varda)的三频道录像,她是在法国新浪潮运动中极少数的女性艺术家之一;还有穆罕默德·布洛伊萨(Mohamed Bourouissa)带来的两部电影,凸显着他基于社群的创作方法。”

阿奇·穆尔

《联合国》

悉尼

阿奇·穆尔,《联合国》(United Neytions),2014—2018,悉尼。作品由悉尼机场与澳大利亚当代艺术博物馆联合委任。摄影:Anna Kucera。图片致谢悉尼 Commercial 画廊
阿奇·穆尔,《联合国》(United Neytions),2014—2018,悉尼。作品由悉尼机场与澳大利亚当代艺术博物馆联合委任。摄影:Anna Kucera。图片致谢悉尼 Commercial 画廊

“《联合国》(United Neytions)是悉尼国际机场全新委任的一件重要作品,见于机场的1号航站楼:28面旗帜在机场中庭飘荡,一一代表着虚构的原住民国家,”策展人娜塔利·金(Natalie King)介绍道。“穆尔(Archie Moore)是一位澳大利亚卡米勒罗伊的土著艺术家,其创作体现着对澳大利亚国内逾280个语言族群的‘土著性’的思考。机场是安放这组作品的理想空间——地点本身便是运输与移动的象征,布满几何图案的旗帜仿佛在雀跃地叫唤:‘欢迎来到澳大利亚’;同时,作品也点明了原住民深厚的历史——在白人之前,他们已守护了这片土地六万余年。”

大卫·麦克迪米德

《彩虹格言》

伦敦

大卫·麦克迪米德,《彩虹格言》(Rainbow Aphorisms),2017,伦敦。摄影:Benedict Johnson。图片致谢 Voltaire 工作室;(系列最后一张)大卫·麦克迪米德,《彩虹格言》,(1993—1995)2017,伦敦。摄影:Benedict Johnson。图片致谢 Voltaire 工作室
大卫·麦克迪米德,《彩虹格言》(Rainbow Aphorisms),2017,伦敦。摄影:Benedict Johnson。图片致谢 Voltaire 工作室;(系列最后一张)大卫·麦克迪米德,《彩虹格言》,(1993—1995)2017,伦敦。摄影:Benedict Johnson。图片致谢 Voltaire 工作室

“大卫·麦克迪米德(David McDiarmid)于1995年因艾滋病并发症离世后,他有趣又激进的作品《彩虹格言》再度现身于南伦敦地铁,深深植入了城市景观,不断招揽着来往路人,” 娜塔利·金金说道。“艺术家炫彩又机智的标语直击酷儿身份与历史,酷儿话题在今天看来还是跟当年一样地紧迫且敏感。精炼的短句从彩虹色的背景里跳跃而出:‘不要忘记铭记’ (don’t forget to remember),‘我的免疫细胞无法抵挡我的性感’(I’m too sexy for my T-cells)……让人们牢记艾滋病危机,以及接纳包容在当代社会中的重要性。”

克里斯托与珍妮-克劳德

《伦敦马斯塔巴》

伦敦

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克里斯托与珍妮-克劳德,《伦敦马斯塔巴》(The London Mastaba),为伦敦海德公园蛇形湖定制,2016—2018。摄影:Wolfgang Volz/laif;(系列最后一张)克里斯多与珍妮-克劳德,《伦敦马斯塔巴》,为伦敦海德公园蛇形湖定制,2016—2018。图片来自 Flickr,摄影:Matt Buck
克里斯托与珍妮-克劳德,《伦敦马斯塔巴》(The London Mastaba),为伦敦海德公园蛇形湖定制,2016—2018。摄影:Wolfgang Volz/laif;(系列最后一张)克里斯多与珍妮-克劳德,《伦敦马斯塔巴》,为伦敦海德公园蛇形湖定制,2016—2018。图片来自 Flickr,摄影:Matt Buck

“夫妻双人组克里斯托与珍妮-克劳德(Christo and Jeanne-Claude)的大多数作品搭建相当费时,这件作品相对例外,”纽约公共艺术基金总监及主策展人尼古拉斯·鲍姆(Nicholas Baume)说道。“《伦敦马斯塔巴》的起源可以追溯到多年以前,早在1950年代末,生活在巴黎的艺术新秀克里斯托便开始在创作中使用油桶,将它们堆叠、包裹,完成了《油桶墙—铁幕,巴黎维斯康蒂街》(Wall of Oil Barrels – Iron Curtain, Rue Visconti, Paris,1962)一作。联系两件年代相去甚远的作品,这些工业用品在创作中的转变令人惊叹:1962年,油桶组成了传达政治信息的城市幕墙;2018年,它们堆叠组成了马斯塔巴(古埃及墓葬形式),一个个油桶被漆成了糖果色,漂浮在水面上,看起来很是轻盈。在创作晚期,一些重量级艺术家的作品趋于沉重阴郁,另一些人则谱写出一首首欢乐的颂歌,克里斯托与珍妮-克劳德属于后者。我夏天去看了《伦敦马斯塔巴》——位于海德花园里的蛇形画廊,真是一个欢乐的地方。”

《一英里歌剧》

纽约市

(由 Diller Scofidio + Renfro 设计工作室与 David Lang 联合策划,文字创作来自 Anne Carson 与 Claudia Rankine;由 Diller Scofidio + Renfro 设计工作室、高线公园、THE OFFICE 表演与电影工作室协同制作)

《一英里歌剧》(The Mile-Long Opera),纽约市。由 Diller Scofidio + Renfro 设计工作室与 David Lang 联合策划,文字创作来自 Anne Carson 与 Claudia Rankine;由 Diller Scofidio + Renfro 设计工作室、高线公园、THE OFFICE 表演与电影工作室协同制作。摄影:Timothy Schenck。图片致谢高线公园伙伴

《一英里歌剧》(The Mile-Long Opera),纽约市。由 Diller Scofidio + Renfro 设计工作室与 David Lang 联合策划,文字创作来自 Anne Carson 与 Claudia Rankine;由 Diller Scofidio + Renfro 设计工作室、高线公园、THE OFFICE 表演与电影工作室协同制作。摄影:Timothy Schenck。图片致谢高线公园伙伴
《一英里歌剧》(The Mile-Long Opera),纽约市。由 Diller Scofidio + Renfro 设计工作室与 David Lang 联合策划,文字创作来自 Anne Carson 与 Claudia Rankine;由 Diller Scofidio + Renfro 设计工作室、高线公园、THE OFFICE 表演与电影工作室协同制作。摄影:Timothy Schenck。图片致谢高线公园伙伴

“要创造一件私密的史诗式作品绝非易事,” 鲍姆点评道。“从数字上来看,《一英里歌剧》体量巨大:它覆盖了一大段高线公园,持续延展并积聚;背景音里传来1000名歌者的清唱乐段,当数不清的纽约路人穿梭而过,他们仿佛成了夜幕下的一个个朝圣者。歌剧式的召唤把观众拉出寻常都市生活,投向沉浸式体验;每位观众更能收获私人化的感受——在同一时刻,处于不同位置的人们将听到不同的吟唱、读到不同的文字。作品由建筑师利兹·迪勒(Liz Diller)和作曲家大卫·朗(David Lang)携手完成,两位都是各自领域的好手,二人打开了互动式表演和观众体验的新模式。《一英里歌剧》为一个多元人群勾画出一幅引人入胜的肖像,人群的名字叫纽约。”

陶巴·奥尔巴赫

《分流》

纽约市

陶巴·奥尔巴赫,《分流》(Flow Separation),2018,纽约。摄影:Nicholas Knight。图片致谢保拉• 库珀画与纽约公共艺术基金会
陶巴·奥尔巴赫,《分流》(Flow Separation),2018,纽约。摄影:Nicholas Knight。图片致谢保拉• 库珀画与纽约公共艺术基金会

来自 UAP 内部策展团队的娜塔莎·史密斯(Natasha Smith)与伊纳克· 戴恩(Ineke Dane)如是评价陶巴·奥尔巴赫(Tauba Auerbach)的作品:“奥尔巴赫变革性的作品运用了英国画家诺曼·维尔沃金森( Norman Wilkinson)在一战期间发明的迷彩画技法——图案模仿着物体在水中运动时产生的波纹,用于迷惑敌军潜水艇的视线。作品带有欧普艺术的影子,令人心神愉悦,它还能进行互动:邀请观众纽约港游河,乘坐救火船约翰哈维号(John J. Harvey)——这件视觉作品的承载物。参与感、互动性、欧普艺术、科技、创新在作品中交织融合,以亲切、出乎意料又让人记忆深刻的方式向一战的结束(以及和平)致敬。”

奥拉维尔·埃利亚松

《海峡屋》

丹麦瓦埃勒峡湾

奥拉维尔·埃利亚松,《海峡屋》(Fjordenhus),丹麦瓦埃勒峡湾。摄影:Anders Sune Berg。图片致谢奥拉维尔·埃利亚松工作室

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奥拉维尔·埃利亚松,《海峡屋》(Fjordenhus),丹麦瓦埃勒峡湾。摄影:Anders Sune Berg。图片致谢奥拉维尔·埃利亚松工作室

“享誉全球的丹麦-冰岛艺术家奥拉维尔·埃利亚松(Olafur Eliasson)完成了他的首个建筑项目,位于丹麦瓦埃勒峡湾的办公楼,外形有如一件雕塑,”史密斯与戴恩介绍道。“建筑由柯克资本(Kirk Capital)委任,该控股与投资公司的创始三兄弟是乐高创始人的支系后裔。这是奥拉维尔·埃利亚松工作室全权打造的首个建筑项目。”

“自然是建筑的核心,工作室仔细考量了光照、气候、季节等因素,将建筑与瓦埃勒峡湾的景致融为一体。在这片知名的地质环境中,楼房静静置于水面之上。”

“这件作品的设计考虑周全、思维缜密、效果惊艳;同时,它更是对创意技巧的有力佐证,打破了创意产业中的自觉障碍——简而言之,材质和领域的分类逐渐模糊,这便是一项具有说服力的成果。”

编辑:江兵

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