早在 2014 年，“圆点女王”草间弥生就委托日本久米设计建造了一栋位于东京新宿的五层建筑。在周围一众灰色的建筑中，这栋有着巨大玻璃窗的白色建筑显得十分出众。人们对它的用途也众说纷纭，有人说它是草间弥生的住所，也有人说它是私人画廊，总之这栋建筑一直保持着一层神秘色彩。
草间弥生美术馆。图片来源于网络
直到上周，低调上线的新网站确定了它其实就是草间弥生美术馆。据日本媒体 Spoon&Tamago 报道，美术馆第一层将是入口和礼品商店，第二、三层将作为展区展出草间弥生的艺术作品，第四层将用于放置草间弥生那些最知名的沉浸式装置艺术，比如在全球都大火的 Infinity Mirrored Room（嗯，拍照发朋友圈主要靠这一层了）。第五层将作为阅览室，存放与草间弥生创作有关的文件和材料，同时顶楼还会有一个室外区域。
草间弥生。图片来源于网络
同时官网上也给出了美术馆开馆时间——今年 10 月 1 日，开馆展览的主题是“创作是孤独的追求，爱能带你接近艺术（創造は孤高の営みだ、愛こそはまさに芸術への近づき）”，其中的核心展品将是草间弥生 2009 年以来创作的一个连续绘画作品“我永远的灵魂”。
在展览方面，国内的有3个展览值得推荐，而且均在上海。一个来自本土的李山，其它两位则是首次在中国进行个展的法国艺术家塞莱斯特·布谢-穆日诺与德国影像艺术家朱利安·罗斯菲德。
有关生命的对话
“中国当代艺术收藏系列展 李山”
2017.08.26-11.26
上海当代艺术博物馆于
李山在上海当代艺术博物馆的个展，将大规模聚焦于他历年以生物艺术为主题的创作作品，这在国内还是首开生面之举。
本次展览涉及上海当代艺术博物馆一楼至二楼展厅，展出作品包含两件活体生命的生物艺术创作、近十组以绘画、数码图像、装置、影像等视觉表达形式进行的生物艺术方案，同时涵盖逾百件手稿和文献记录，以多维度呈现艺术家二十多年来在生物艺术领域的研究探索和思考路径。
蜻蜓人, 李山, 2016, 图片来源于艺术家
100李山, 李山, 2012, 图片来源于艺术家
李山是“85新潮”的要角；曾参与行为艺术《最后的晚餐》，并以印有美总统里根头像的盥洗用具进行了名留美术史的“洗脚”。同时，他还以雌雄同体式政 治人物肖像及禁忌的性图像符号，大胆展开了“胭脂”系列创作。1993年，李山作为中国当代艺术家代表参加威尼斯双年展，展上受到巴尼作品《劳顿候选人》 人兽同体启发，随后他放弃了自己所熟悉的绘画创作，将艺术思考转向与生命科学相关的课题，在原本属于上帝的施工图纸上写写画画，开拓出了一个新的艺术领域——生物艺术。这缘于他长期以来对存在和生命本身的关注，对生物性状背后密钥的探索，以及不同生命体、生物物种平等和大同的主张。
美术史上的一次“洗脚”李山，1989年，现代艺术展。图片来源于网络
让音乐说出艺术
SONSARA（生声不息）
2017.9.1日-11.12
上海民生现代美术馆
法国艺术家塞莱斯特·布谢-穆日诺（Céleste Boursier-Mougenot）在中国的首次大型个展 “生声不息”（SONSARA）将登陆上海民生。
塞莱斯特·布谢-穆日诺（Céleste Boursier-Mougenot）。图片来源于网络
此次展览主题“生声不息”（SONSARA）由“Son”和“Samsara”组合而成的概念。Son是法语“声音”的意思，即可以通过耳朵感知到的听觉。Samsara，“依业轮回”，是表示生命流转循环的意思。它的词义包含了人类生前的过去以及死后的永生，每一现实生命，都是秉承过去生命继续而来。
本次展览通过艺术家的6件大型声音装置呈现对于“人类如何与人工的自然共存”与“构建一个生态，想象人类之后的世界”两个议题的讨论，而这两个议题恰好构成了人与非人的非零和博弈的一体两面。展览通过对于声音、园林、视频的交叉使用与处理，将引导观众引入图像与现实不断相互转化的空间中行走。在空间、物理和心理层面，给参观者以冲击，进而与建筑的流线型空间产生交流。
《革命》局部呈现图，威尼斯双年展法国馆。图片来源于上海民生现代美术馆微信
《潮汛》局部呈现图，2015年，巴黎东京宫。图片来源于上海民生现代美术馆微信
塞莱斯特·布谢-穆日诺，1961年生于尼斯。从法国尼斯国立音乐学院毕业后，他在1985到1994年间把作曲推向了实验领域，并从90年代中期开始尝试声音装置的创作，将作曲带进当代艺术、带进美术馆中。第56届威尼斯双年展法国馆的策展人艾玛·拉维妮（Emma Lavigne）谈到塞莱斯特作品《Rêvolution》时说：“在这个实验生态系统里，本不可移动的树被‘解放’，空间内充满了这种自由和非传统的美感。观者被邀请进入这个生态空间内放松，沉思，与他者和谐共处，一同‘漂浮’。”
影像的独白
“宣言”朱利安·罗斯菲德个展
2017.09.20 - 2017.12.31
昊美术馆上海馆
昊美术馆上海馆的开馆展带来了德国影像艺术家朱利安·罗斯菲德（Julian Rosefeldt）的个展“宣言：朱利安·罗斯菲德 ”。
《宣言》（Manifesto）以50多个艺术家宣言为蓝本，设计了 13 个极具戏剧性的独白，引发对于“艺术家在社会中的地位”这一永恒性的问题的探讨。 尽管宣言这一文学形式起源于政治运动，但是从菲力波·托马索·马里内蒂1909年发表的“未来主义宣言”开始，它就一直被 20 世纪的艺术家们广泛借用。这件作品中引用了包括特里斯坦·查拉、卡基米尔·马列维奇、安德烈·布勒东和索尔·勒维特（等大师的宣言，跨越了达达主义、超现实主义、极简主义以及许多其他在过去一个 100 年发生过的艺术运动。为了展现宣言形式的政治起源，《宣言》从一个序言开始，由布兰切特朗读马克思和恩格斯撰写的《共产党宣言》的第一句。
“宣言”，2015。图片来源于网络
“宣言”，2015。图片来源于网络
朱利安"罗斯菲德1965年生于慕尼黑，他的作品有着复杂的视觉特性。观众会完全进入其中丰富的舞台设置—以电影技术的方式被展示在多个屏幕上。在持续的循环中，他的主角行动在沉重的韵律节奏中，镜头则配合着在前后缓慢移动。罗斯菲德以解析式和讽刺性的方式来呈现和对待日常仪式和陈词滥调，通过把行为荒谬化而潜在的去破坏它们本身。
而在亚洲其它地区的众多展览中，台湾的赵无极大型回顾展与日本以“哆啦A梦”为主题的邀请展最为闪耀。
无极之美：赵无极回顾展
2017.09.16 – 2018.03.04
亚洲大学现代美术馆
2017年亚洲大学现代美术馆与赵无极基金会、元大文教基金会携手合作，推出《无极之美：赵无极回顾展》，不仅是睽违30年于亚洲地区举办之大规模且完整的赵无极作品回顾展，亦首度集结法国及国内美术馆、台湾重点收藏家之藏品精选，其中不乏创下拍卖纪录及首度曝光之作。
本展将以其各阶段创作风格演变为分题，逐步领略赵无极如何徜徉于艺术创作；如何内化环境、人事的无常所带来的冲击，从而尽情在画布上挥洒的「无极之美」。
“哆啦a梦展 TOKYO 2017”
2017.11.1 – 2018.01.08
森アーツセンターギャラリー
日本国民级漫画“哆啦a梦”从1970年诞生以来，由于其童心般的叙述方式和那些神奇的道具、场景，不仅虏获了大量少你啊儿童的心，也让许多艺术家为之迷恋。
而近日，在日本即将举办的一场以“哆啦a梦展 TOKYO 2017”的展览，便吸引了日本28位当红艺术家的参与，如：村上隆、奈良美智、蜷川実花、山口晃、会田誠、山本竜基。
村上隆出展作品，2017年。图片来源于展览官网
村上隆出展作品，2002年。图片来源于展览官网
此次展览，是继2002年的“哆啦a梦展”后，时隔15年所举办的第二届。28位艺术家结合各自艺术特色，以“创作出属于你的哆啦a梦”为主题，进行独立创作。而本次展出作品，除了28位艺术家最新创作以外，奈良美智、蜷川実花、福田美蘭、村上隆、森村泰昌5組2002的参展作品也将继续参加。
奈良美智2002创作作品。图片来源于展览官网
编辑：江兵
