艺术市场与艺术家的全球化，是近年来不可逆转的趋势。与此同时国际展览也越来越热，各大美术馆也争相策划着殿堂级大师的回顾展，期望带给观众不一样的艺术体验。今天小艺就带大家一起来看看各大美术馆都举办过哪些大师的回顾展，它们的展览形式又有怎样的不同？

阿尔贝托·贾科梅蒂回顾展

余徳耀美术馆

2016年正值贾科梅蒂逝世50周年之际，一系列大师纪念展览活动在全球陆续展开。在余徳耀美术馆的回顾展是这一轮全球纪念热潮中的重要一站，亦是亚洲的唯一一站。阿尔贝托·贾科梅蒂的回顾展于2016年3月22日登陆余德耀美术馆。这不仅是贾科梅蒂在中国的首次大展，也是继2007年法国蓬皮杜艺术中心大展之后全球最大规模的回顾展。相比普通的现代艺术展，此次大展致力于呈现一个“当代的”贾科梅蒂，将这位现代主义大师带入一个由大型停机库改建而成的当代艺术空间，与当下的观众和当代艺术界做开放的对话，展览亦将为余德耀美术馆丰富的当代艺术收藏提供强有力的历史语境支持。

展览海报

阿尔贝托·贾科梅蒂被誉为现代主义精神的化身。他创作的《行走的男人》等艺术形象，因对战后人类心理和20世纪人文精神的刻画，成为艺术史上的经典不朽名作。作为20世纪现代艺术的代言人之一，贾科梅蒂深刻影响了战后现代艺术的发展，启发过众多东西方艺术家，因此被公认为“艺术家中的艺术家”。贾科梅蒂亦是全球艺术市场身价最高的艺术家之一，是近十年多次世界拍卖最高纪录的创造者。

本次贾科梅蒂回顾展由曾担任法国蓬皮杜艺术中心副馆长、现任贾科梅蒂基金会总监的著名策展人凯瑟琳·格雷妮尔担纲总策展，由克里斯坦·阿兰迪特任联合策展人。现场将展出贾科梅蒂基金会所拥有的250件左右作品，全面回顾了艺术家跨越半个世纪的艺术生涯，其中包括最具标志性的《行走的男人》、《勺型女人》、《行走的女人》等，涵盖了艺术家从早年创作，历经立体主义、超现实主义到1960年代多产杰作期等不同阶段。贾科梅蒂备受赞誉的肖像素描、绘画、摄影，以及手稿等档案资料，将为全方位理解和欣赏大师创作提供丰富的维度。他在其30平米的巴黎工作室创作的极微小作品，以及晚期在纽约曼哈顿创作的巨幅纪念碑式青铜雕塑，将在现场形成强烈的视觉张力，其中传递的存在主义精神和现代人文性成为展览最震撼人心的部分。大展不仅仅是对艺术家创作生涯的全面回顾，也力图反映20世纪战后一个激动人心的时代的文化与生活，美术馆将以多种方式呈现艺术家所属时代的人文景观。

安迪·沃霍尔版画回顾展

波特兰艺术博物

2016年波特兰艺术博物馆举办了“来自Jordan D. Schnitzer及其家族基金会的安迪·沃霍尔版画”回顾展，展览了大约 250 件安迪·沃霍尔版画作品。这是有史以来最大规模的安迪·沃霍尔回顾展，占用了波特兰艺术博物馆两层的空间，呈现了沃霍尔的众多精彩作品，包括其代表作《坎贝尔的罐头》和《玛丽莲·梦露》。版画是安迪·沃霍尔的主要艺术创作形式之一。从 20 世纪 50 年代作为一位商业插画家创作的作品，到60 年代与他人协作创作的大量丝网版画，再到晚年受托创作的一些作品集，我们可以看出安迪·沃霍尔的主要创作主题是人物。在 40 年的时间里，波特兰收藏家Jordan D. Schnitzer收集了沃霍尔的大量创新版画。

展览现场

此次展览会是按年代和系列组织的，该结构有助于深入地展示沃霍尔对不同版画技巧的使用，从最开始的插画书到最后的丝网版画。此次展览会还突出了沃霍尔对系列画作的痴迷以及版画作为画作复制机械手段的本质两者之间有何联系。沃霍尔对原作和复制品之间的区别进行了复杂化。

此次展览的策展人Sara Krajewski表示：“安迪·沃霍尔利用名人、消费品、性、死亡和灾难等媒介图像的诱惑创建了其标志性的波普艺术。通过此次回顾展，参观者可以进一步了解该艺术家是如何在版画中利用摄影和电视的诱惑力。这些展品充分展示了沃霍尔对新成像方式和技术的巧妙利用，从新闻用纸分发到一次成像相机、电视和视频。通过对沃霍尔大量版画的调查，我们发现沃霍尔在当代视觉文化的演进过程中发挥着巨大的影响。”此次安迪·沃霍尔版画大型展览会为参观者重新了解该艺术家提供了机会。通过利用和操纵波普文化的意象，沃霍尔在其主要版画系列中创作了众多富有强大生命力的作品。

罗伯特·劳森伯格回顾展

纽约现代艺术博物馆

2017年5月纽约现代艺术博物馆举行了罗伯特·劳森伯格回顾展，这次展览是21世纪首次举行的罗伯特·劳森伯格回顾展，从全新的角度展示这位颇受好评的艺术家60多年来广为人知的作品。展览汇集了超过250幅绘画、雕塑、版画，印刷品、照片以及声音和录像。著名艺术家和电影人与展览合作，用舞蹈和表演展示劳森伯格的作品。纽约现代艺术博物馆以“开放的专题”的形式呈现本次展览 - 让其他艺术家参与劳森伯格充满创意的一生。

《太阳系仪（北极光）》

“开放、合作、并对世界充满好奇，这在现在这个麻烦的时代显得尤为可贵。”策展人Leah Dickerman如是说。这次展览整合了劳森伯格和朋友们的跨媒介合作，按时间、地点和机构划分；以北卡罗莱纳州的黑山艺术学院为起点，移步至位于纽约市富尔顿街与珍珠街的工作室，再以弗罗里达州俘虏岛的住所告终。MoMA此次以新视角呈现融合作品（Combines）（1954–64），以及丝网印刷画作（silkscreen paintings）（1962–64）。极少出借的《沙琳》（Charlene）（1954）和《字母组合》（Monogram）（1955-1959）是最大的亮点。前者是艺术家红色画作系列中最大、也是最后一幅，组合了镜子、男士内衣、雨伞、连环画以及闪烁光源；后者属于融合系列，艺术家将山羊标本和轮胎放置在涂漆的拼接平台上。

罗伯特劳森伯格在位于佛罗里达州的俘虏岛的工作室创作《四分之一英里画作》

此外，本次展览还独辟蹊径，对劳森伯格1950年代早期及1960年代后期的作品进行探索。早期代表作《已擦除的德·库宁作品》（Erased de Kooning Drawing）（1953），以及艺术家指导作曲家约翰·凯奇驾驶他的福特A型车穿过一滩油漆和20张打字机纸的《汽车轮胎印》（Automobile Tire Print）（1953）均在此列。两部与工程师合作的实验性作品此次也有展出。在《泥缪斯》中，一池8000磅的钻井泥在声动空气压缩机的伴随下汩汩泉涌。这些作品现在看来仍然十分有趣，这也说明了劳森伯格在艺术创作上的的前瞻性。展览中，劳森伯格丰富的后期创作也有所体现。过剩系列是受艺术家家乡德克萨斯州当代经济启发而做的金属雕塑。另外劳森伯格还运用印刷新技术，以大型规模画作来重现自己摄影作品，表达了艺术媒介的不可脱离性。

“我永恒的灵魂”展

东京六本木国立新美术馆

80多岁仍然持续旺盛创作的草间弥生一直广受世人瞩目。2016年她被《时代》杂志选为“在艺术世界进行先锋革命”的“世界上最具影响力的100人”。2017年2月，她的大型回顾展“我永恒的灵魂”在东京六本木的国立新美术馆举办。 1941年左右她患上神经性视听障碍，遭受幻视和幻听的困扰，照她所说她的精神疾病被父母无视，甚至受到母亲的嘲讽与打骂。她把幻觉中的斑点画下来，后来成为了她作品中的标志性图案。

此次展览规模甚大。进入主展厅后，首先会被满墙壁的巨幅画作包围。它们每一幅都有半人高，整个空间有很强的冲击力。这些就是草间弥生从2009年开始全力创作的“我们永远的灵魂”系列。人的侧脸、眼睛、显微镜下的小生物，在草间弥生独特视角的演绎下极具冲击力，好像有一种要溢出的生命力。中间的装置是乱舞的花朵，被无数的波点簇拥着。它的名字叫“明日之花”。艺术评论家们都认为“我们永远的灵魂”系列是草间弥生70年艺术人生的集大成者。她花了七年为这个系列创作了500幅作品，从中可以推算出来她惊人的创作速度，除去双休日，她平均每2~3天就得完成一幅。这次展厅内共精选了其中的140幅，其中绝大部分都是首次公开。

《明日之花》

这里的每一幅画中都暗藏着草间弥生急切地想传达给人们的信息。她曾说即使自己死去，自己的艺术仍然会在一百年、甚至两百年后留存。

发现蒙德里安

海牙美术馆

风格派大师蒙德里安的艺术被许多人熟知和喜爱，至今仍为无数人带来启发与灵感。风格派艺术在2017年已迎来它的第100年，荷兰还特意将2017年名为“蒙德里安年”。当地时间6月3日，“发现蒙德里安”大展在海牙美术馆开幕，与观众一同回顾风格派大师蒙德里安的生平及其作品。对全世界喜爱风格派的观众来说，这无疑是一次难得而独特的艺术盛会。

蒙德里安《Composition with large red plane，yellow，black，gray and blue》

海牙市立美术馆拥有世界上最为丰富的蒙德里安收藏，无疑是展示艺术家传奇一生的绝佳舞台。海牙市立美术馆的执行馆长Benno Tempel这样表达了自己对展览的期待：“1944年，蒙德里安逝世，美国媒体将之看作是一位20世纪最伟大的艺术家的离去，尽管当时还只是20世纪的前半期。海牙市立美术馆的此次展览，定将为观众提供一个重新发现蒙德里安的天才的机会。”

蒙德里安与他完成的最后一幅作品《Broadway Boogie Woogie》合影

其实，展览“发现蒙德里安”不过是荷兰风格派运动一百周年“从蒙德里安到荷兰设计”系列文化活动的冰山一角，2017年全年，海牙市立美术馆将举办至少3场为纪念风格派运动的变革精神而设的展览。从蒙德里安早年在阿姆斯特丹等地的创作到其遗作《胜利之舞》，展览“发现蒙德里安”对艺术家各个阶段的创作都有所反映。这也是海牙市立美术馆首次将其收藏的蒙德里安作品全部拿来展出，包括那些因过于脆弱而被认为不能外借或长期展示的藏品。

贾思培·琼斯回顾展

英国皇家艺术学院

2017年9月23日 - 2017年12月10日举办的贾思培·琼斯回顾展是近40年来其在英国举办的首次综合性大展，展出的作品将涵盖贾思培·琼斯闻名于世的旗帜、靶心、字母数字等系列作品，数量多达150多件。贾思培·琼斯被誉为美国最伟大的当代艺术家之一，他对图像的处理，物体和符号的占有力极强，如他的标志性旗帜，使平常熟悉的事物变得陌生。本次大展将汇集了艺术家的绘画，雕塑，版画和绘画。从他在雕塑中的创新到其在绘画中对拼贴的使用等，重点呈现琼斯职业生涯中的各种重要风格。

展览现场

在贾思培·琼斯的作品中，最为外人称道的便是“旗帜”系列，也是他受到自己梦到的美国国旗启发创作的，此次展览也会包含他在50年代创作的一幅“旗帜”作品，是从一个私人收藏手中借展而来的。另外一个要展出的作品是贾思培在1960年创作的“着色青铜”，是由两个巴兰坦啤酒罐组成的雕塑。

琼斯代表作“旗帜”系列作品，创作于1958年

英国皇家艺术学院的这场展览联席策展人艾迪斯·德瓦尼将贾思培·琼斯评价为“无以伦比重要的”艺术家，他自上世纪50年代开始打破的美学传统至今影响了几代艺术家。同时德瓦尼也希望这场琼斯大展能够为英国艺术爱好者们打开一扇窗口。“他在美国的知名度非常高，但是在欧洲地区却几乎不怎么露面，所以，这次的展览提供给人们一个极其难得的了解他和他的作品的机会。”

大卫·霍克尼回顾展

纽约大都会博物馆

2017年11月28日- 2018年2月25日，大卫·霍克尼回顾展在纽约大都会博物馆开展。此次回顾展正值艺术家八十大寿之年，这样的契机纷纷调动欧美最大腕儿的博物馆强强联手——伦敦泰特现代美术馆，巴黎蓬皮杜中心，和纽约大都会博物馆共同推出回。“大卫·霍克尼”纽约站一开幕，便吸睛十足。此次展览跨越艺术家六十载的创作岁月，成为三十年来纽约对这位英国艺术家的首次综合回顾。展览囊括诸多名作，聚焦霍克尼不同时期的创作兴趣、类别探索与材料媒介，显露不同作品跨越时间的联系。酷儿身份、加州风光、立体主义、野兽派、肖像、拼贴、摄影、高新科技……都启发了霍克尼对作品主题和手法的构思。这些作品梳理着艺术家的风格发展，也彰显着艺术家的独特个性。它们的色彩多鲜艳饱满，带着酸甜的果冻感；形象看似笨拙却玩味活泼，透着调情的暧昧；内容既与现实生活产生共鸣，又带着一丝超逸的离奇与可笑的荒诞。

纽约大都会博物馆展览海报

除了霍克尼的名作，大都会现当代艺术部策展人伊恩·奥特维尔还表示：“真正令我激动的是有机会展示此位艺术家职业生涯中或许不太为人所知的部分。”这些稍许陌生的片段，也更加引起观众的好奇与惊叹。回顾展的最后一间展厅便是如此，通过绘画与影像向观众介绍了霍克尼的近期创作。尤其引人注目的是艺术家利用iPad作画的动态记录——三块屏幕循环播放着霍克尼在iPad上的手绘过程。而当观众目不转睛地追随艺术家笔触的增减时，他们也显得倍感兴奋，好像唤起自己在电子产品上涂涂写写的回忆，蠢蠢欲动地用手在空中比比划划，并啧啧赞叹屏幕上最终呈现的霍克尼画作。

大都会展览现场

“莫奈与建筑”回顾展

英国国家美术馆

2018年4月9日，英国国家美术馆举办大展《莫奈与建筑》，反映莫奈如何通过建筑绘画探索阳光，雾和反射的魔力。这也是近20年以来，英国首次举办莫奈作品大展，并将首次聚焦画家与建筑的关系此次展览回顾了莫奈漫长的职业生涯，从19世纪60年代中期初露头角，到1912年他的威尼斯绘画展览，从而提供了一个全新的视角去审视这位伟大艺术家的绘画生涯。这次“莫奈与建筑”回顾展，展出莫奈超过70幅建筑主题油画。

展览海报

“莫奈对伦敦独有的光线和云雾十分着迷，他创作过多个系列画作——在不同时间或角度下描绘同一个物体，以此记录伦敦的季节更替、以及物体在一天中不同光照条件下呈现的画面。”英国国家美术馆馆长 Gabriele Finaldi 表示。莫奈在伦敦创作的最重要的两个系列分别是《国会大厦》和《查令十字桥》，其中《国会大厦》系列共有19幅作品，画作大小一致，视角均来自圣托马斯医院同一个窗口；《查令十字桥》系列共有37幅作品，描绘的是莫奈从酒店房间看到的风景，这两个系列的部分画作将在展览中展出。其他参展作品包括莫奈在法国创作的《巴黎圣拉扎尔车站》系列和《鲁昂大教堂》系列，以及他在意大利完成的画作等。

英国国家美术馆是第一个以“莫奈与建筑”为主题举办展览的美术馆，此前人们往往只关注到莫奈的风景油画。此次展览给人们带来了不一样的期待！

结语

只有真正近距离观看了作品才会对一个艺术家的创作产生直观感受和理解。通过欣赏大师回顾展，观众可以充分感受艺术家在创作的每一个阶段内心的活动变化，从而更好的理解作品。另外美术馆在展览策划时也耗费了一定的心血，观众在现场还可以领悟到策展人要在展览中所阐述的概念，进一步了解艺术家本身。

编辑：江兵