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99艺术 |色彩的绽放,现当代艺术家如何用红黄黑白述说生命
2019-07-24 16:58:02 来源:99艺术网  作者:sunyi

回顾当代以前的艺术史,基本被架上绘画所统治。以至于那时的艺术品以笔触、色彩、类型、技法去评价好与坏。而在这其中,色彩首当其冲,因为它不仅能让创造者通过色彩表达出个人情感,对于观者的刺激也是最为直接的。

在古典绘画中,画中的光影效果大多通过柔和的棕色调去呈现,而色彩也倾向于物体本色,展现出一种庄严、平静、古典理想之美。到印象派,色彩虽然被无限的解放出来,不再是单一的调性,多了份色随光动,但色彩主要还是覆盖在自然万物的实体上,还没能使色彩绽放出自己的生命。随着画家们自我独立性认识的提高,到近当代,色彩已不需要再靠形体去呈现物象,而是直接的和个人情感产生互动,以至于此后大部分艺术家都有着自己的“标志色”。而即使是同一种颜色,不同艺术家也可以将其散发出不同的情感。

黑色,蒙克黑的死亡与苏拉热的黑“神圣”

蒙克算得上是在艺术史中人生经历最为苦难的一个,从5岁开始,弟弟、姐妹、父母的相继离世,让死亡这一话题一直伴随着其成长。由于亲人离世,自己精神和身体不断被病魔占据,让他在自己的作品中一直充满着痛苦、恐惧、绝望,黑色这种没有感情色彩又带死亡特色的色度便成为了他的画中常客。

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蒙克的黑是“死闷”“没有活力”的、是一种人在极端境况下的内心状态。黑让整个画面感觉不到丝毫的流动感,人物被压得几乎没有了气息。而画面中的黑色常常去衬托出那些干枯、冷白的面孔,两色间的对比将一种神经质矛盾的苦处演绎的更加深入。

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皮埃尔·苏拉热(Pierre Soulages),西方艺术界的“黑色”代言人,他对黑色情有独钟,以擅长运用黑色创作绘画而闻名于世。从6岁开始,苏拉热就深为黑色所着迷,而且总是在画纸上涂着满满的黑。关于这件事,还有个广为流传的故事:有一次大人问他:“你在画什么呢?” 他回答说:“我在画雪,因为黑色使白雪更白。”在苏拉热的作品里,黑并不只是单纯的“黑”,他透过艺术创作,寻找出黑色的多样面貌,绘画里的黑色不仅有其表现力,更能从中透出光,所以有评论家认为苏拉热“将黑色从黑暗中解放了出来。”

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黑色贯穿苏拉热整个艺术生涯,也使他的作品在东方受到欢迎。在苏拉热的许多作品中,深深浅浅的黑色元素或多或少地与中国水墨画的形态相似,两者同样地讲究意境神韵、简约大气。

1970年代末,苏拉热从大海与阳光的交互闪耀中,提炼出黑色的光线思考。每幅作品中所透出的光,随着观看空间位置与光源的不同,产生无尽变幻的意味。这些作品具有丰富而微妙的肌理,观众可以观察到黑色与生俱来所具备的光线性,对苏拉热而言,光线就来自于黑本身,在黑色中可以体验其无限的可能。而对于观者来说,面对那些全部由黑构成的作品,观看时很容易产生一种敬畏之感。

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红色,苏丁红的血腥与周春芽红的激情

提到苏丁,最醒目的莫过于他画面中光泽度十足的红色。而他恐怕也是整个西方美术史上使用红色最多最为杰出的大师。

红色的大量使用,这与苏丁的静物模特——“血淋淋的尸体”有莫大的关系。他将牛、禽鸟等动物的皮剥掉后再对肌体进行分解,在只剩下鲜红的血肉,血管组织的基础下进行创作,用自己的画笔,将那些已枯萎的尸体在画面中鲜活起来,好像死去动物的活力和魂魄在他的画作中都找到了归宿。

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而他作画的方式也极为独特——先在画面中构建出简单的结构关系,然后将大量的颜料调合在一起,快速地涂在画布上,再用画笔在粘稠的油彩中勾刻出肌肉和血管间的穿插,血腥肉体的光泽,感觉像是一个屠夫,用画笔去找出肌体中最美味的那部分。

这样的创作技法和色彩使用也带到了其风景写生和其它静物中,他不会过多的去刻画形体,只是用色彩和线条去挤出物体原本的气味。

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周春芽一直被艺术圈内认为是中国当代艺术界中最会用颜色的人之一。如今绿狗、桃花成为其艺术标志,两种不同主题所呈现出的绿色与红色也成为其标志性的颜色。而除了桃花的红,在周春芽的作品中“红人”与“红石”两个系列作品仍是以红色为主。

纵观周春芽的艺术生涯,“红人”的形象最早可追溯到1988年《蓝色的马、帐篷和云》,历经1996年《向克利致敬》一系列红色人体探索,到1998年形成他最具代表性的艺术符号。周春芽以“红人”突出“内在”,展示自我情感及艺术意象,表现出一种新兴的观念和思想,他自由地诠释画中形象,解脱了客观对象的桎梏,由此建立起了独具特性的新秩序和新规则。

周春芽 《向克利致敬NO.1》 1996年 布面油画 100x80cm.
周春芽 《向克利致敬NO.1》 1996年 布面油画 100x80cm.

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而“红石”系列中,艺术家开始采用一种传统的中国印象,通过运用一种浓重的红色来显示对逝去年代的印象。即使在中国文化和政治历史潮流中这种颜色所代表的中心总是艺术家承认的地位。他将这种与历史联系在一起的色彩分离独立出来,正如艺术家所说:“红色是公众色彩,它具有强烈爆发和刺激的效果。”将颜色的中国特征剥离开也许是不可能的,但从许多途径来说,艺术家在这方面努力,是将色调单独隔离开,在许多方式上“石头”系列已将周从他的出身的特殊性脱离开来,周春芽使用国际惯用技法将中国艺术用西方表现主义优势彻底改造。

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白色:郁特里罗的白素与雷曼白的无所谓

与苏丁、周春芽激昂的红色相比,郁特里罗的白显得格外的沉静、祥和。

郁特里罗描绘的对象一直是家乡的风景,笔下的蒙马特街景、圣心堂,看来平凡朴素,但却是洋溢着情感。郁特里罗曾说:“如果有天离开巴黎一去不返,自己唯一想带走的是一块不起眼但是是构造整个蒙马特街道的石灰块。这样不仅可以观看,而且还可以触摸,会让自己回想起在巴黎的点滴。”

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由于对石灰块的无比喜爱,使其想在绘画中也能表现出石灰块那种纯净的白和质感。因此他在作画时开始将笔触放宽,用画刀去压白色的颜料,让白色成块状的在画布上显示,这样能使白色显得完整更有张力。为了加强白色有石灰块的质感,他还在白色的颜料里混用石膏和胶,让墙面显得更加真实。郁特里罗的白总是能让人感到平和,也许正是由于蒙马特带给他的无限安全感,大面积块状的白色才能稳稳有力的压在画布上不可动摇,似乎画面上的白不会退色,而现实中的街景也永远不会变迁。

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2014年,一幅由美国艺术家罗伯特·雷曼(Robert Ryman)创作的油画在纽约苏富比以1500.5万美金(约合人民币9000万至1.2亿元)成交,随之在艺术圈掀起哗然。而让艺术圈哗然的或许是近亿元的天价,也或许是在不少人看来,这幅几乎全部空白的画作和自家的白墙没什么两样。

罗伯特·雷曼出生于1930年,现在生活在纽约,他是单色画、极简主义和观念主义艺术的重要人物。他最具代表性的作品是白色的抽象画。

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上世纪50年代,雷曼开始他的单色调实验之前,比他年长一些的艺术家例如巴尼特·纽曼(Barnett Newman)、马克·罗斯科(Mark Rothko)已经开始类似创作了。但雷曼数十年如一日地专注于他的白色绘画,并凭借他的实践在艺术界享有一席之地。

纽约现代艺术博物馆曾于1993年为雷曼举办了回顾展。艺术评论人罗伯塔·史密斯(Roberta Smith)当时在《纽约时报》撰文写道:“多年以来,雷曼一直专注于探索白色的多样性——不同种类、不同色调的白色颜料,涂抹在不同的白色表面。”上世纪60年代末,雷曼进入了经典时期的创作。他会采用一种发光的白色颜料画在一层厚厚的、带有奶油色调的白纸上,作画时他会用胶带将画纸粘在墙上,等到颜料干了以后,再撕掉胶带,将画纸从墙上取下来,粘到泡沫塑料板上,并且故意留下了被撕掉的胶带的痕迹。实验性和作画过程中的专注精神才是雷曼艺术创作的最大特点。他最著名的言论就是“画什么不重要,怎么画才是个问题。”

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黄色:梵高的黄孤与弗洛伊德黄的闷

有传闻称梵高的黄色是取自于伦勃朗的《犹太新娘》。

当时梵高在美术馆面对《犹太新娘》时,代表男女主人公的黄色和红色所呈现出来的激情和誓言让他感动不已,从而使梵高执着于在以后的画作中都大量的使用黄色。

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但梵高的黄色与传统画家的黄色有本质的区别,传统画家使用黄色时多以暖调为主,表现其温暖热情之感,而梵高的黄偏向一种“冷黄”的效果,有种孤独寂寞之感,这也从侧面投射出了他当时的内心写照。即使是为了迎接高更到来的《向日葵》其热情中的黄还是大片孤独的冷黄。而酒吧、咖啡馆、房间一批作品,那种冷黄与红、蓝、绿之间反差的对比几乎让他接近于疯狂。

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或许是因为大多数作品是画人体的原因,弗洛伊德的画作中主要以暗黄色为主。暗黄的色彩加上画中一堆堆的肉体或面无表情的人,让整个他的画面充满了沉闷与压抑。

从60年代起,他开始尝试裸体画。他让模特儿光着身子躺在沙发或床上,然后诚实地描摹这些经过岁月打磨后的丑陋肉体。在他的笔下,这些人物通常都皮肉松弛、胸部下垂、血管凸出,让人丝毫感受不到情欲挑逗的意味。有时,他还会画自己女儿的裸体。有人问他这样是不是太过分了?弗洛伊德回答说:“我们只是在专注作画,而非爱,更非情欲。”

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弗洛伊德的作品或许在暗示:生活不过就是一间等候室,生活就是在等待死亡。或许灯光能给人以希望,但那不过也是生活的诡计罢了,人人终究都要迈入黑暗。因此,在展出的最后一幅画中的房间里,画中人拥有一绺长髯,他脆弱的肉身一丝不挂,恰似忧患之子,又好像一个现代版的基督。可这位画中人实在不是他所看似的那样,他只不过是在伦敦西区一间小套间的实木地板上摆姿势的凡人。

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总的来说,这些大师级的标志色,与其说是大师们的作品将这些单色绽放出光彩,到不如说这些色彩在适当的时间、空间里透射出了当时大师们的内心渴望。

编辑:江兵

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