蔡锦作品
蔡锦的作品，如她的名字般绚烂，让人过目难忘。而生活中的她，平静、淡然甚至有一种孩子般的单纯，与其作品形成了鲜明的对比。早年在央美的学习经历开阔了蔡锦的艺术视野，一次在安徽老家与美人蕉的美丽邂逅，成为了她甘愿穷尽一生的创作母题。令人窒息的红色美人蕉是蔡锦留在他者心中的印象。而在蔡锦的心中，美人蕉不止有一面，红色也不仅有一种。
地上的鲜花长满了人间的色彩，每一朵都有生命在放纵往昔的面容。女性画家对色彩的敏感，促使她们笔下的花或艳丽或清雅，多是生长期的呈现，但蔡锦的创作却跳开这点而独独关注处于衰败、死亡边缘的花。20 余年对枯萎的美人蕉的眷恋，对三百余幅美人蕉创作所倾注的大量时间，已经使美人蕉成为了蔡锦的个人标签。无论在哪种媒介上，蔡锦只是将其作为不断专注和执着重复美人蕉主题的载体。蔡锦说，她很幸运地在年轻时就找到了自己的绘画语言，这或许是很多艺术家穷尽一生的追求。
用他者的眼光来看，蔡锦的美人蕉系列经历了多次变化，这种变化或许依附于年龄的改变和阅历的增长，但在蔡锦眼中，并没有刻意去改变什么。早期的血红色的美人蕉，诱惑、孤独和神秘，黏稠的红色仿佛吃透了画布的肌理，释放出强大的精神能量。有人将其解读为糜烂之美，也有人认为是性意识的展现。但在蔡锦看来，她只是喜欢这样的红色，画笔在红色中变得特别敏感，甚至到了随意流淌的境地。红色，在蔡锦的手中产生了神奇的变化。稍后的作品，色彩逐渐由看似触目惊心的血腥，变成有点黯淡的紫灰和小面积点染的粉红。近几年更是对黑白系列的美人蕉进行尝试，去除了色彩的牵绊，造型的坚实严谨引来了雕塑般的厚重，这或许是蔡锦成为母亲后，强大的力量感和庇佑力所给予美人蕉新的内涵。
蔡锦的作画过程习惯于从局部画起，这样对她来说能更加轻松自由地完成。形与色随着她的意识蔓延开来，伸展至全局。每一幅作品都没有做预先的设计、布局，也不需要刻意地打草稿和反复练习，带有手稿的意味，从不涂抹修改，一切看来都是那么地自然而然。无论尺幅的大或小，只要进入到自我，内心中难以言说的情绪会通过美人蕉这种带有意象色彩的形态传达出来，蔡锦是天生的画者。
在多年的绘画人生里，蔡锦不断尝试用新的材料来扩展美人蕉的表现空间。同样，选择也是随性的，有如她的个性。在这些物品上呈现的仍是纯个人绘画性的东西，床垫、车座、沙发、高跟鞋、浴缸等在她的眼中只是质感有所区别的画布而已，从丝绸、皮革的柔软与弹性到陶瓷、玻璃的光滑与坚硬，她都乐于享受这些材料。蔡锦认为，这些物品的选择像是冥冥之中注定一样，当眼睛与之触碰，就是它了。新的创作材料或许在观者的解读中被寓意了更多的内涵，但在蔡锦看来，她只是依靠直觉层面上的一种感受。这些作品使她的美人蕉从平面走向了空间，从架上拉近到了生活，或许这样能让她的自述变得更自由更随心所欲，更容易被他者的眼光所接受。由于材料质地的特殊或者作画面积的局限，偶发性的效果会时常出现，这也带给了蔡锦更多的创作乐趣。吸油的床垫、平滑的浴缸，远远区别于亚麻画布，但蔡锦乐于接受，也认可，她只是随自己的心思画着。笔下的美人蕉同样具有夸张的姿态和强烈的伸张欲望，造型严谨又具象逼真却没有刻意按照写实的传统那样表现细节和阴影，给予美人蕉属于蔡锦本人的生命。强化枝叶交错的形式感，用卷曲细碎的笔触和如霉斑似的点点简化了质地的表现，但枯萎扭曲的美人蕉却依然醒目。
与平面作品不同，这些带有装置性质的作品在展出时更加侧重于作品的交流性和周围环境的融合，需要与观看空间产生互动。蔡锦选择用融化的蜡油和她所钟爱的红色营造出流淌、蔓延的气氛。此时的蔡锦又更像是一位环境艺术大师，完全掌控住周围的一切，无论是展室的一角、地面还是缀满荷叶的池塘，都被她运用蜡这种材料与作品衔接起来，完整呈现。谁处于这样的环境之中，会否认作品所带来的美？会感受不到艺术家所要表达的心事？
如果说“美人蕉”系列给人的感觉是浓烈、繁复的印象，那么她新近创作的“风景”系列则显得悠闲、散漫了许多。色彩如自然的水迹、斑痕染满画布，神秘、灵动。置身画前，仿佛是静静地看着窗外淅淅沥沥的小雨，呼吸着潮湿的空气，有一种氤氲的情绪存在，蔡锦又给了我们新的体验。
简单、随性，没有明确的目的性，蔡锦的艺术有如个人情感的释放，时而高亢时而低沉，一切都在她的掌控之中。即使她笔下的美人蕉被人做出这样或那样的解读，在她看来那些都是别人的世界。美人蕉还是她在老家后院中看到的那些，虽乐于接受评价但并不代表自身的想法——她确实只是凭直觉、随感受在想、在画。
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【编辑：于睿婷】
