2019年7月19日，在盛夏的骄阳中，松美术馆新展 "Abstraction(s)|隐形于色--抽象艺术群展"正式拉开帷幕！
松美术馆新展 "Abstraction(s)|隐形于色--抽象艺术群展 "开幕(本文图片由松美术馆提供)
作为松美术馆的又一重要群展，本次展览汇集了不同年代的13位艺术家的精选作品，参展艺术家们各自代表了这八十年间以十年为单位的不同阶段，展览从主观视角勾勒出近一个世纪以来抽象绘画演变中的五种表现形式。
展厅概况
01 单色画（独色画）
单色画，又称独色画，是二十世纪以来先锋派艺术的重要元素，通过单一色彩进行绘画创作，艺术家旨在探索同一色彩不同色值在画布上的演变，以及纹理与质感的微妙变化。由于它简约洗炼的构图，单色画在当代艺术中的魅力经久不衰。
参展艺术家：
图里·斯梅蒂（ Turi Simeti）-1929
河钟贤（ Ha Chong-Hyun）-1935
马克·哈根 （Mark Hagen）-1972
亚历克斯·伊斯雷尔 （Alex Israel）-1982
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图里·斯梅蒂
《无题（马提尼克岛系列）》
布面丙烯
226.1 × 223.8 × 3.8 cm
维维安·斯普林福德管理协会
©The Vivian Springford Administration – 摄影 / Photo: Matt Kroening
致谢维维安·斯普林福德管理协会
图里·斯梅蒂的绘画创作极具雕塑性——他在画布下自由地分布自制椭圆形木具，他的画面在光影与黄色、红色、黑色等单色平面的交织中形成类似浮雕的效果。通过对椭圆形图案的重复使用，他尝试建立一种非常规的书写系统，使画布表面不再局限于物质性原则，而只可容纳静默。
河钟贤《联合 17-303》
亚麻布、油彩
Oil on hemp cloth
291 × 218 cm
Conjunction 17-303，2017
© Ha Chong-Hyun – 摄影 / Photo: Kim Sang-Tae
致谢艺术家和阿尔敏·莱希
20世纪70年代初期，河钟贤凭借“ 联 合 ”（Conjunction）系列作品声名鹊起。这些早期试验帮助他创立了自己的标志性风格，即将颜料厚涂于麻布背面，然后向正面按压使其穿透布面纹理。作为韩国“单色画”（Dansaekhwa）运动的重要成员，他对材料和绘画工艺的创新在东西方前卫艺术与传统之间架起了一座桥梁。 他的创作需要耗费极大的体力和时间，近期他又通过增加物质性和色彩体积感的新方法，进一步延伸了他从三维转化至二维的实践。
马克·哈根《未命名（酞菁绿）》
粗麻布、丙烯、塑形泥
162.6 × 162.6 × 5.1 cm
To Be Titled (Phthalo Green)，2017
© Mark Hagen – 摄影 / Photo: Hugard & Vanovershelde Photography
致谢艺术家和阿尔敏·莱希
类似按压颜料使其穿透麻布的方法同样可见于马克·哈根的创作中：他按压颜料，使其穿透长粗麻布，晕染到下面垫有玻璃板的褶皱型塑料和按几何形状切割的瓷砖等材料上。等到颜料干燥后，再将布料取出，其印满痕迹的背面反而作为作品的正面向公众展示。
亚历克斯·伊斯雷尔《无题（平面）》
丙烯、灰泥，木头、铝框架
213 × 213 × 7 cm
Untitled (Flat)，2012
© Alex Israel – 摄影 / Photo: Rebecca Fanuele
致谢艺术家和阿尔敏·莱希
在参展精选作品的作者中，亚历克斯·伊斯雷尔是最年轻的一位艺术家，他的创作象征着抽象艺术在当下的延续。此次展出的“平面”（Flat）系列是伊斯雷尔的代表作品，他将画布剪裁，模糊了绘画与雕塑的界限。画面灵感来自洛杉矶建筑和城市景观，让人联想到抽象的落日。
02 光线与空间运动
“光线与空间运动”这种艺术兴起于1960年代的美国，其最早期实践者是罗伯特·欧文以及詹姆斯·特瑞尔。正如其名，“光线与空间运动”是一种以光线为媒介创作的艺术形式。此类艺术可以被表现为发光的雕塑，抑或是用光影效果来“塑造”出的雕塑。这些“雕塑”可以是暂时性的，也可以是永久性的，既可以在室内空间中展出，也可以在户外展出。“光线与空间运动”作品中，光与建筑的互动通常是作品十分核心的部分。
参展艺术家：
詹姆斯·特瑞尔（ James Turrell）-1943
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詹姆斯·特瑞尔《樱桃》
空间投影装置
Cherry，1988
© James Turrell – 摄影 / Photo: Florian Holzherr
致谢艺术家和阿尔敏·莱希
光线是抽象艺术中常用的材料，并在本次展览中扮演重要的角色。由美国艺术家詹姆斯·特瑞尔的数组作品构成的特别展示完美地诠释了这一元素。逾半个世纪以来，特瑞尔在创作时始终直接利用光线和空间向观众展现人类感知的极限和奇迹。特瑞尔是一名狂热的飞行员，天空是他的画室、材料和画布，他的飞行时间已达一万两千小时。他曾学习感知心理学，并受童年时代对光线的爱好所影响。他说，“我的作品没有对象，没有图像，也没有焦点。什么都没有，那么，观者看到的是什么？是自己在观看的行为。对我来说，关键在于创造一种沉默的思想体验。”
03 抽象和具象之间
抽象绘画是在具象艺术的母体中孕育而生的，并通过具象运动分裂成新的派别。它们源自一脉相承的艺术传统。一般被视为具象艺术中的一些分支，比如装饰艺术，因其对图案几何化的利用，实际上可以也可以被视为是徘徊在具象与抽象之间；与此同时，许多对具象艺术有着深远影响的社会变化，如消费型社会的运作，货币的流通，也同样为抽象艺术提供了灵感。抽象与具象，这两者本身就是互相依存、缠结、渗透的绘画元素。
参展艺术家：
金昌烈（ Kim Tschang-Yeul）-1929
约翰·M·阿姆利德（John M Armleder）-1948
西尔维·夫拉里（ Sylvie Fleury）-1961
安瑟姆·雷尔（Anselm Reyle）-1970
徐渠（Xu Qu）-1978
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金昌烈《水滴》
布面油画
181.6 × 229.9 × 3.2 cm
© Kim Tschang-Yeul – 摄影 / Photo: Matt Kroening
致谢艺术家和阿尔敏·莱希
金昌烈是目前在世的韩国最伟大画家之一。1969 年，金昌烈定居巴黎，并用了四十余年时间钻研一个独特的主题：水滴。水滴是其独特和标志性作品的起点，这些作品将抒情抽象、波普艺术和中国书法融为一体。其作品简约纯净，巧妙地融合了道家智慧、现代讽刺概念和韩国战争的悲剧题材。金昌烈既有禅修者的克制，又有早期绘画大师的笔触，在东西方文化的影响力中找到了绝佳的平衡点，并对其曾经历的诸多艺术运动进行了深刻反思。
约翰·M·阿姆利德《贝詹姆特》
布面综合材料
225 × 150 cm
Bezamt，2018
© John M Armleder – 摄影 / Photo: Annick Wetter
致谢艺术家和阿尔敏·莱希
自二十世纪 60 年代末以来，约翰·M·阿姆利德投身于激浪派运动，开始创作各类作品，包括行为、雕塑、素描以及油画。1979 年，阿姆利德凭借其“家具雕塑”系列作品蜚声国际，该系列作品融合了设计和抽象油画的标志性特点，探索装饰与艺术之间的关系。此外，备受青睐的“倾倒绘画”和“水坑绘画”系列也令他广受赞誉：他在垂直或水平放置的画布上随意倾倒颜料，然后用各种前卫材料（如亮片或汽车喷漆）加以混合。
西尔维·夫拉里《眼影腮红盘（2018 冬款）》
布面和木面丙烯
152.5 × 307.8 × 10.8 cm
Soleil Eye and Cheek Palette (Winter 2018)，2019
© Sylvie Fleury – 摄影 / Photo: Dai Ruoying
致谢艺术家和阿尔敏·莱希
二十世纪 90 年代初，西尔维·夫拉里成为全球艺术舞台上的一个重要女性角色。她深入研究以现成品为材料进行创作的传统，同时借鉴波普和极简艺术的视觉元素，探索当代消费主义大环境下的女性、艺术、以及时尚的准则。通过其巨大的彩妆盘，夫拉里对化妆品背后的欲望与权利结构提出了质疑，并对剪裁画布这一艺术语言进行了探索。这些被放大的化妆品图像近乎成为了几何图案的抽象组构，使她的创作徘徊于抽象和具象之间。
安瑟姆·雷尔《无题》
混合材料、丙烯、玻璃
176 × 149 × 24 cm
Untitled，2017
©Anselm Reyle – 摄影 / Photo: Anselm Reyle Studio
致谢艺术家和阿尔敏·莱希
安瑟姆·雷尔创作了大幅抽象绘画、现成物雕塑以及霓虹般色彩夺目的装置。他探索聚酯箔或镜面等创意材料，将绘画和雕塑的流行美学朝着装饰概念的方向拓宽。
徐渠《货币战争 - 新和旧的 100 元港币》
布面丙烯、喷漆
150 × 158 cm
Currency Wars - HK 100 dollar new and old，2017-2018
© Xu Qu
致谢艺术家和阿尔敏·莱希
中国艺术家徐渠在德国期间曾师从阿姆利德。回到中国后，他发展出了不拘一格且富于变化的创作风格，对权力关系和欲望进行着持续的探索。在“货币战争”系列作品中，徐渠将全球各地纸币上的图案细节转换为多彩的抽象构图。因此，他的作品蕴含了文化和金融的双重意义，反映出艺术品到商品这一常见转化的运行机制。
04 色域艺术
色域艺术大约于1948年诞生于美国，从欧洲现代艺术中汲取灵感，并被认为与抽象表现主义有着密切的联系。色域艺术的特征为画布上散落分布的大型色块，色斑，通常色彩之间边界氤氲不清。相比起创作过程，该艺术形式更注重最终呈现出的形态的统一性。通过对线条，同心圆，以及其他简洁的几何形态，色域艺术令人联想起大自然景观。色域艺术旨在唤起观者崇高的冥想和超然的感受，从而使其进入沉思的状态中。
参展艺术家：
维维安·斯普林福德（ Vivian Springford）-1913
让-巴蒂斯特·贝尔纳代 （Jean-Baptiste Bernadet）-1978
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维维安·斯普林福德《无题（马提尼克岛系列）》
布面丙烯
226.1 × 223.8 × 3.8 cm
维维安·斯普林福德管理协会
© The Vivian Springford Administration – 摄影 / Photo: Matt Kroening
致谢维维安·斯普林福德管理协会
在本次展览的所有艺术家中，维维安·斯普林福德所处的年代最为久远。作为美国抽象派画家，她是二十世纪中叶美国女性艺术家的一个典型代表。她从起初的抽象表现主义转身色域绘画，并于 1970 年创造出一种特殊的染色油画手法：她用她特有的水墨画技法，使彩色线条晕染扩展成为多层颜色，更具抽象和水洗效果。她的创作主要受东亚艺术和文字——尤其是中国书法、道家和儒家思想——影响。
让 - 巴蒂斯特·贝尔纳代《无题（灰色的天气）》
布面油画
205 × 290 cm
Sans titre (Temps Gris)，2016
© Jean-Baptiste Bernadet – 摄影 / Photo: Rebecca Finale
致谢艺术家和阿尔敏·莱希
让-巴蒂斯特·贝尔纳代在展览艺术家中属最年轻的一辈，他的绘画同样为抒情抽象风格，将鲜明的色彩与光线融合。他受到艺术史上多位先辈的影响，从莫奈、维亚尔和蒙克到当代的乔·布拉德利和乔什·史密斯。贝尔纳代和色彩派绘画的先辈一样，利用不同色彩以及其相互作用来激活感官，同时也使观者思索这一体验的本质。贝尔纳代的绘画手法看似十分简单，实则需要用细画笔渐进、系统地勾勒色域，并且时常跟随灵感，使用明亮甚至是柔和的油彩快速绘制大量线条。
05 表现主义
表现主义一般被认为是一种透过形状和颜色以主观方式来表达，而非直接描绘自然世界的艺术。这种艺术形式不以描绘具象为目标，而是通过点，线，面，色彩，形体，和构图来传达情绪。表现主义完全通过富有激情的色彩和饱含生命来抒发艺术的情感强度。
参展艺术家：
君特·福尔格（ Günther Förg）-1952
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君特·福尔格《无题》
布面油彩、丙烯
175 × 215 × 2.5 cm
Untitled，2007
私人收藏，香港
© 2019 Estate Günther Förg, Switzerland / VG Bild-Kunst Bonn – 摄影 / Photo: Alex Delfann
私人收藏，香港
二十世纪 70 年代中后期，君特·福尔格在德国美术学院深造后，开始创作单色壁画，并在画中借用周围环境的色彩。他从恩斯特·威廉·内、皮特·蒙德里安、巴尼特·纽曼、布林奇·巴勒莫以及罗伯特·赖曼等众多抽象派大师的创作中汲取灵感。例如，此次展出的福尔格的 “网格画”系列以保罗·克利二十世纪 30 年代的小幅水彩为基础，将其中的细节放大至可观的尺寸。在福尔格晚期的作品中，网格变得愈加随意，甚至让位于近似涂鸦的色块堆砌。同时展出的青铜雕塑所彰显出的抽象性和原始性让人联想起二十世纪早期现代主义，为整个展览又增添一份深意。
松美术馆创始人王中军先生在展览开幕式上与在场嘉宾分享了自己收藏的心得和松美术馆的公益性。他希望美术馆可以增进公众对中国当代艺术的理解和欣赏，为中国当代艺术发展带来推动，为中国艺术教育带来影响。希望这里吸引的，不仅是收藏家、艺术家，更有大众的关注，并成为社会的艺术文化聚合地，架起艺术与大众间的桥梁。
松美术馆创始人王中军先生
松美术负责人王端在开幕式上表示："这次群展，让我们清晰的感受到艺术家们对抽象艺术传统的延续，以及他们通过不同方式为抽象艺术带来不同程度的创新。英文主题Abstraction(s)，将Abstraction加上了括号与s，一个英文复数的变形，这不仅是策展人的妙想，更是他的策展理念，希望借由这样的直观的名称来表达抽象的多种方式。而中文--隐形于色，则侧重凸显了此次展品的斑斓色彩，这些色彩与夏天的气氛非常契合，当这十三位艺术家所带来的不同形式的抽象和绚烂色彩汇集于松美术馆的白房子中，我们希望以此再次为北京热爱艺术的朋友们带来视觉的冲击与心灵的震撼！"
华谊艺术公司副总裁、松美术馆负责人王端
展览策展人尼古拉斯·特瑞布雷（Nicolas Trembley）表示，这些艺术家共处一室，展现了当下抽象艺术的多样性：他们的作品之间在形式上存在诸多关联，而对色彩的探索则是这次展览中连结它们的主线，正如中文标题"隐形于色"所揭示的那样。
展览策展人尼古拉斯·特瑞布雷（Nicolas Trembley）
作为此次展览的学术主持，中央美术学院博士生导师王春辰认为，此次展览的这批抽象作品都是以色彩取胜，以色彩为创作目标，将色彩作为表现对象。色彩作为构型、色彩作为形状、色彩作为表现，代表了新抽象艺术的特点。
中央美术学院博士生导师王春辰
他表示，这批抽象作品显示了当下的抽象艺术创作状态。它既反映了抽象艺术依然强劲发展，同时也催发艺术家寻找更多新的方法来扩大抽象绘画的表现力，新抽象意味着抽象艺术语言已经日常化，与现代人的视觉经验和习惯已经高度契合，对它的观览和欣赏都是当代人的日常功课。新抽象还有其他的语言方法，与绘画的多种理论共同构成今天的绘画艺术世界。
嘉宾合影从左至右：阿尔敏·莱希亚洲总监张震中、 中央美术学院博士生导师王春辰、松美术馆负责人王端、艺术家西尔维·夫拉里（Sylvie Fleury）、阿尔敏·莱希画廊艺术统筹Gwenvael Launay 、松美术馆创始人王中军先生、展览策展人尼古拉斯·特瑞布雷（Nicolas Trembley）
从左至右：松美术馆负责人王端、展览策展人尼古拉斯·特瑞布雷（Nicolas Trembley）、艺术家西尔维·夫拉里（Sylvie Fleury）在展览现场
策展人尼古拉斯·特瑞布雷（Nicolas Trembley）导览
展览现场
从亚洲到美国以及欧洲，本次展览中的艺术家在延续抽象艺术传统的同时也为其带来创新，见证着抽象艺术的生机、多元和向心力。这些艺术家虽然生于不同年代，来自不同地域，并且拥有不同的实践经历，但都投身于对抽象艺术的探索和革新之中，他们的作品在展览中的共存形成了对话。展览的英文标题Abstraction(s)词末被加上了代表复数的“s”，指在本次展览中，艺术家们运用了各种方式聚焦抽象艺术，结合“色彩”这一基本主题，也是当代艺术家们在本次展览的焦点之一。
展览现场
展览现场
展览于2019年7月20日正式对公众开放，持续到2019年11月17日。在展览期间，松美术馆一如既往以观众为重心，推出一系列公众体验活动，让热爱艺术的朋友们来到松间，走进斑斓的抽象艺术之中。这个夏天，“松”不是白色、也不是绿色，而像彩虹一般色彩缤纷！
编辑：江兵
