英语中的“声音艺术”

英语中的“声音艺术”(Sound art)一词在1960年代末期开始被使用，在80年代末至90年代初开始流行。在英文中“声音”(Sound)包含了“乐音”与“噪音”(Noise)的双重意涵。“乐音”意指传统音乐文化互文所定义的和谐音，“噪音”则为生活中种种非音乐欣赏的时空场域，各种类型物体运动产生的副产品。英文的“声音艺术”一词可以跨越传统意义上的“音乐”与“噪音”的籓篱，包括各种各样的噪音 。在近十五年内，英语系国家以“声音艺术”为主题之出版愈来愈多，只是这些书写普遍呈现一种整理数据合辑的状态，直到近五年才开始出现较具艺术史观之系统论述。

约翰-凯基(John Cage)既是美国现代性纯粹听觉最早的鼓吹者，却同时也是回归复杂聆听脉络的“后现代”先驱。早在1950年代，他就试图将环境声音、噪音的聆听置入音乐聆听的框架之内，无论是音乐厅、大卖场、或者自己身体发出的声音，凯基一视同仁地看待，他说: “声音，让我们如其本貌地直接感受发声物体，无论它是一只口哨或者一朵小蘑菇”。这里说的直接感受，意指不顾任何音乐性的内容，不经过任何音乐形式起承转合，不顾音乐历史建构的音乐语言，没有成见地直接聆听声音的本身。但是这种纯粹聆听只是打开更广大知觉之门的开始，凯基不断地暗示我们：听觉并不会止步于此。

加拿大作曲家丹-廉德(Dan Lander，1953)是较早开始使用“声音艺术”一词的创作者，却也是较早开始质疑“声音艺术”一词有效性的批评家。廉德曾指出: “被指称为“声音艺术家”的许多创作者对于“声音艺术”一词的观点不同，他们大多无法认同这个词汇，对于统一的称呼，更是缺乏共识。”当廉德1990年出版“艺术家之声”一书时，他否认有一种共通的“声音艺术”存在，因为声音创作与其它艺种的跨界太普遍，而声音作为媒材，根本从来就不在同一个层次上被使用。

美国西岸不遗余力推广声音艺术多年的布兰登-拉贝尔(Brandon Labelle)在1999年出版的声音艺术文字合辑《音址》(Site of Sound)一书中，在一种后凯基的基础上提出了开放的观点，使得作品、空间装置、具环境指涉或环境延扩性的声音环境，都被接受为声音艺术大家庭的一个部份。(LaBelle and Roden 1999)。拉贝尔在其2006年的 “背景噪音——声音艺术面面观”(Background Noise：Perspectives on Sound Art)一书中更进一步，从凯基留下的主动听觉角度出发(相对于以制作出发的作曲)，反思传统西方音乐、西方造型艺术思考所不及之处——从对于声音体、艺术物体的关注，转移到对于互文环境周边的关注。这包括了人体的材质性、听觉环境的材质性、社会的材质性，“声音艺术”从而逃脱了现代主义再现式的隐喻，它在物质性的振动中将听觉过程内外翻转，呈现出其内的神经与电路，得以在其本身不被定义(被命名)的状况下创造出新的意义。这个转向带来了声音创作的自我指涉性与机制批判性。

编辑：李璞