神、形、技：梦幻与现实的合唱——十位你需要知道的日本当代艺术家（下）

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0条评论 2016-08-31 09:08:03　来源：99艺术网汪珂宇综合编译　

日本的当代艺术依然追随着曾经的一些文化，将这些传统的文化用不同的方式延续下去，并传播到其他的国家。每位艺术家都在用他自己的方式，绘画、装置艺术、音乐、新媒体、各种各样的合作，将日本文化通过作品有效的向这个世界传达。像日本的樱花和武士精神一样，这些将传统文化与流行文化混合一起的艺术表达方式也成为了日本的一个标志。

接着上一篇文章，我们继续向大家介绍日本的一些当代艺术家。上篇文章以森万里子的视频结束，那这篇文章就从池田亮司有趣的的创新性音乐视频开始吧：
点击这里观看艺术家的视频

▼ 这位艺术家就是

池田亮司（Ryoji Ikeda）

池田亮司（左）

池田亮司（Ryoji Ikeda）是一个新媒体声响艺术家，他的作品主要融合各种“未加工”状态的声音-如正弦波、电子“短时脉冲波形干扰式”的声音和“白噪音”(whitenoise)等创新的表现方式--经常使用在人类听觉范围边缘的频率。在当今以电脑程序来做音乐的作曲家群之中，池田亮司可以说是最简约化的代表。他的作品往往舍弃掉旋律或调式的营造，而留下最简单的节奏，即使节奏有所变化，也只以极其微小的姿态出现。

他设计的具有沉浸感的装置作品由计算机生成的声音组成，并将其变换可以看见的视频投影，或数码图案。池田的视听作品的利用尺寸、明、暗、音量、阴影、电子音和节奏来给人感觉。池田著名的“测试图5（Test pattern [no.5]）” 包括了五台照明面积长达28米，宽8米的投影仪。装置转换数据（例如：文本、声音、图片和电影）变为条形码和0与1的二进制模式。

从2006年在加利福尼亚州的圣荷西为国际艺术电子研讨会（ISEA）所制作的Zero1以来，他开始在世界各地的展览馆呈现升级版的视听演奏会。池田探讨和应用数学和科学的方法来塑造音乐、时间和空间，创造令人着迷的体验。他探讨了声音和视觉，重建其物理性质来揭示人类感知的复杂关系。最终，池田测试了数字技术最大程度的潜力，挑战了人类感知的边缘。

下面是艺术家现场表演的视频：

点击这里观看视频

田中功起（Koki Tanaka）

田中功起在2015年成为了德意志银行（Deutsche Bank）的艺术家。侯瀚如，罗马国立当代艺术馆（Rome‘s MAXXI）的艺术总监和德意志银行陪审团的成员，他说“田中是一个对日常中最”无关紧要“事物的敏锐观察者，他总能神奇地将其变成美妙并伴有幽默感的事，有着坦率但苦痛的暗示，揭露着神秘可怕的存在”。田中着重于对社群意识的探索，作品在于培养人们对创造力和想象力的基本常识，鼓励参与者相互之间的分享和交换，与此同时，他还在探索协商与合作新的规则。例如他在2013第五十五届威尼斯双年展的日本馆里合作的装置艺术，一台录像机和装置艺术品将展览馆转变成了艺术和分享的平台。

田中的录像和装置作品探讨了物品和行动之间的关系，他的视频记录了伴随着日常物品的简单的表演，如刀切蔬菜，将啤酒倒入杯中，一把雨伞和他 ’吹面粉的过程‘（2010）系列作品。看起来似乎并没有发生什么，但强迫性的重复和对细节的关注迫使观众注意到这些日常生活中的存在的世俗的、不被注意的现象。

吹面粉的过程（2010）

奈良美智（Yoshitomo Nara）

奈良美智创作了油画、雕塑和绘画作品，他标志性的图案是大眼睛的孩子和狗狗，主题试图捕捉童年中的无聊感和挫折感，同时捕捉孩子暴躁独立的天性。令人回想起传统书籍里的插图，他简单的风格呈现的焦躁不安，体现了热爱朋克摇滚对奈良产生的影响。他的一些作品的标题是这样的：“身上带刀的女孩（The Girl with the Knife in Her Side）”（1991），“沉默的暴力（Silent Violence）”（1998），“神经骨头（Neurotic to the Bone）”（1999）和“这里什么也没有（There is Nothing）”（2000）。他的作品“不能等到夜幕降临（Can’t Wait ‘til the Night Comes）”（2012），体现了表面上看似轻松的肖像背后的黑暗面--一个有着天真无邪眼睛的孩子却有着吸血鬼的牙齿和一个恶魔似的微笑。

身上带刀的女孩（The Girl with the Knife in Her Side）”（1991）

“这里什么也没有（There is Nothing）”（2000）

2011，他在纽约亚洲协会博物馆举行了他的第一个主要的个展，题为奈良美智：没有人是傻瓜（Yoshitomo Nara： Nobody’s Fool，），里面包括了跨越了他20年的职业生涯的作品。展出的作品密切的联系着世界范围内青年亚文化，着重于异化和反叛的主题，尤其是还涉及到了摇滚和朋克音乐。

2014年，奈良美智的在伦敦牛奶艺术中心(Dairy Art Centre) 举行了大型个展。这次的展览是奈良美智在英国的首个美术馆展览。此次不仅展出了奈良标志性的大头娃娃画作及多件雕塑作品，还以“年谱墙”的形式汇集了其从1984年至2013年的200多幅创作手稿，极富有价值。

宫岛达男（Tatsuo Miyajima）

宫岛达男是一个雕塑家和装置艺术家，利用高科技完成作品，采用现代材料如电路、视频和电脑，从80年代末起以‘LED灯’为中心来进行创作。宫岛有三个核心艺术观念--持续蜕变（Keep Changing）、连接大千（Connected with Everything）以及生生不息（Continue Forever），并从人文主义思想与佛教教义中汲取灵感。在宫岛达男的作品中，计时器上的数字是依次从1到9或者从9到1并不断循环往复，周而复始的变化的，但不会出现0这个数字。因为在他看来，0意味着死亡和结束。所以，每当应该出现数字0的时候，计时器便会停止片刻。这片刻的黑暗，便是0的代表，同时又是虚空，仿佛是黎明前的黑暗，酝酿着、等待着下一轮的重生和开始。

宫岛达男的2016年的最新作品《时间瀑布》（Time Waterfall）揭露了人类生命的永恒光辉，从而带出‘活在当下’的思想。香港环球贸易广场的外墙上将投射出自然数1至9，从大至小如瀑布般落下，但永远不会达到‘0’。这不断的倒数过程象征着生命，而光影的熄灭则代表了‘0’，即死亡的喻象。每个数字都将以不同大小及速度出现，营造出层层叠叠的复杂效果，彷佛每一层都代表着一个生命的轨迹。

本作品采用沿袭了艺术家的一贯对LED灯的标志性运用，表达艺术家创作的基本概念。作品中刻意遗漏了数字‘0’，参照了佛学中‘空’的概念，呈现了持续不断、永恒、流动的时间与空间。数字作为抽象的概念符号，则成为了宫岛达男的通用语言，让他的作品能被国际艺坛理解与接受。

草间弥生（Yayoi Kusama）

在她七十年的职业生涯中，草间弥生（1929出生）探究过素描、油画、拼贴、雕塑、表演、录制电影、版画、装置和环境艺术这些领域，以及文学、时装及产品设计。草间弥生利用“波点（polka dot）”产生了自己独特的风格，这已经成为她艺术的一个标志性的东西。事实上，这些波点都来自于她的想象-- 在一个布满原点的空间里，这些点组成了一面无限大的循环的网，就这样形成了波点。

草间弥生与LV合作

这种虚幻的景象对草间弥生来说，是从小就开始经历的幻觉，这世界似乎被增殖图案所覆盖。草间弥生也发展出自己独特的“繁殖”特色，她善用高彩度对比的圆点花纹加上镜子，大量包覆各种物体的表面，如墙壁、地板、画布、家里会出现的物品（还有裸体的助理）。如《无限境屋》（Infinity Mirror Room - Phalli‘s Field）（1965）。

这位著名的日本艺术家，虽已87岁高龄，可还是继续著她的创作以及展览。今年五月，草间弥生的个展于伦敦维多利亚·米罗画廊（Victoria Miro Gallery）再次与伦敦的群众见面。

草间弥生通过《All the Eternal Love I Have for the Pumpkins》（我对南瓜所有的永恒的爱）再次回归到自己最喜欢的主题。她将南瓜置于镜屋中，通过层层的反射，这些发光的波点南瓜无限蔓延、生长、复制并抽象化，让人感觉像被催眠了一样。

《All the Eternal Love I Have for the Pumpkins》（我对南瓜所有的永恒的爱）

《Chandelier of Grief》（悲伤的吊灯），用吊灯替换了南瓜，在黑色的背景中形成了更强烈的装饰感。让观众们仿若进入光影摇曳、变幻莫测的宇宙当中。

《Chandelier of Grief》（悲伤的吊灯）

（以上文字编译来源于theculturetrip,内容有所删改补充）

编辑：汪珂宇

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